1 ) 用120帧靠近角色的灵魂
星级:★★★★
我并没有感觉到4K 120帧3D版本和普通的24帧2D版本在本质上有太大的不一样,我前后看过这两版,真正让我记住的都只是故事本身。
对于120帧的版本,眼睛所能察觉到的不一样,只是它更亮,更立体,多了一层泛蓝的光(应该是特制眼镜的缘故吧)。反正第一感觉是一切从未如此清晰过,眼睛很快适应了之后,看电影就像你以前看过了DVD,一下子给你换上了蓝光碟,可以看到了更多的细节,眼睛也不累了。从观看的角度,它是有益的,但不会给你一种从未见过的奇观式的差异,你甚至最后感觉不到有什么差别。
李安导演一直在提这个120帧的新技术,新技术不是问题,问题是为了这个新技术,他在电影拍摄上的调整。作为第一个吃螃蟹的人,它的优点和缺点都要靠李安自己探索。
这不是《阿凡达》《奇异博士》那类奇观式的电影,我们不知道它拍起大片是什么感觉,不过这项技术让银幕上的细节异常清晰,演员脸上的毛孔、斑点,眼睛里的血丝都看的清清楚楚。从细节来讲,那些烧钱做特效的片子,很难想象真做120帧时需要多花多少钱。像DC的《蝙蝠侠大战超人》那类黑漆漆的电影,电影高潮时的夜戏大战根本就看不到细节,省不少钱。
因为120帧的画面实在太清晰,所以演员基本上就是素颜,因为皮肤的一丁点瑕疵都会被镜头捕捉放大。所以片中的灯光都尽可能的模拟自然光,看不到具有电影感的打光,整个画面非常的明亮,这让一切显得异常真实,不知道用这样的技术,打很戏剧化的光,片子的观感会不会变得很假。
不过《比利·林恩的中场战事》的灯光足以提名奥斯卡,它的难度就像格斯·范·桑特当年拍《哈维·米克》,看着没有打光,其实大家都知道,真正到了片场,实际的光都不能用,都需要模拟自然光,看着还要像没打光。
有些人可能觉得不打光的问题就是容易感觉像纪录片,缺少所谓的电影感,像高清电视,其实这个观点纯粹是瞎扯淡。
为了这项新技术,片子用了很多固定镜头,就连阿富汗战场也是很稳定很流畅的摄影,没有手提或者肩扛镜头。120帧的流畅画面,眼睛已经察觉不到脱帧和卡顿的现象,这时候太晃动的画面容易让人产生眩晕的感觉。
想象一下,你在万里无云的大白天,乘坐电梯快速爬升到828米的迪拜的哈利法塔顶端,如果你的眼睛从透明玻璃往外看,估计大部分人都会双腿发软。当电影清晰逼真到这种情况,就会产生同样的效果。
摄影上还用了大量的近景和特效镜头,画面的景深很深,可能是为了画面足够的曝光,摄影机的光圈开的太大。这也是所谓电影感变弱的原因,不过在我看来,这些相应的技术调整都不是问题,这样一个中场表演的故事,就是一场大型的直播秀,120帧的画面刚好足够有现场感,让人有如临现场的感觉,和全景VR直播有的一拼。
用3D 120帧拍演员的表演,就像把你放到一个话剧表演的舞台上,你隐形于演员之间,他们在卖力的表演,你可以近距离,甚至趴到他们脸上观看。对于表演,这样的距离有点近的可怕,想象一把刀子刺入一个人的脖子,你看到他在挣扎,看到的眼睛圆睁,白眼球在慢慢充血,一丝丝的从白变红。
这样的技术一旦遇到坏品味的导演,绝对可以让人做恶梦。好在李安在新技术面前相对保守,选择了很安全的做法,它在细节的呈现和临场感上逼真到可怕。
这个新技术之外,这是一部非常李安化的电影,以前你可能觉得李安并没有鲜明的作者化的导演风格。直到这一部,你会突然发现,其实李安的导演风格不像其他人一样,在灯光、美术、摄影或者音乐上辨识度很高,李安的风格在于他看待故事的方式。比如片子的配乐用了云淡风轻感的吉他,配乐非常的克制,和《断背山》如出一辙。
以前大家开玩笑套用李安那句“每个人心里都有一座断背山”“每个人的心里都有一把青冥剑”“每个人心里都有一个绿巨人”等等,其实这就是李安的执迷和套路,他每次讲故事的套路。就连他在文化上融汇东方和西方,会在表达上如何走钢丝,满足东西方观众,都是同一种套路。
如今这些在《比利·林恩》之后,你突然能摸清李安的套路了,我觉得在这部电影之后,李安也是我心目中作者化风格极强的大师了。李安讲故事,每次都是个体的选择,也不是理智上最正确的选择,每个故事到了李安那里,都有他看待世界,都有他思考的方式。
李安对这个故事的看法还是他那套要靠个人去领悟的讲法,他用120帧的新技术,让你离男主角比利·林恩足够的近,让你尽可能的去站在他的角度,去感同身受。
它提到牛仔、石油、战争、反恐、爱国和个人自由,但这不是一部传统意义的反战电影,更不是《美国狙击手》《拯救大兵瑞恩》《父辈的旗帜》那类的美式主旋律。它对美国社会主流的意识形态提出了质疑,但并没有给出答案,最后他聪明的选择回归到比利·林恩这个个体,给这个普通的个体指出方向,但当个体的悟性扩大到群体,你会发现方向好像就不管用了。所以李安这次的钢丝走的不够稳,美国主流观众可能不太买账,但对反恐战争没什么经验的海外观众,特别是东方观众应该更很容易接受。
在对待战争的态度上,比利·林恩最后终于主动选择了,但战争和爱国这事,终究还是属于大众的。身为士兵,他只能回到战场,拿起枪,去尽自己的职责。在这个故事里,比利·林恩周围的人不能了解他,他的家人不能,一见钟情的拉拉队女孩不能,他最亲密的姐姐也不能。人们对待战争,都有自己的理解,这一次李安用120帧的高清画面让你近距离的观看战争,认识比利·林恩,你也同样很难理解战争是什么,只有像比利·林恩一样,亲自上了战争,你才能真正明白,这就是电影真正想说的。
最后我们看到的是一个男孩的成长,用去参加橄榄球比赛中场秀的时间,看这个男孩在人生的重要节点上,学会主动的选择,走一条自己认为正确的路,其中透着的不是爱国,不是军人的职责,不是英雄主义,是一个出身社会底层的美国小镇青年在生活面前的无奈。他需要归宿感,他需要在生活中找到一个比自我更大的东西,最后他觉得他找到了。
2 ) 比利·林恩的初体验
本文首发于微信公众号:玩儿电影
本文仅代表个人想法
本文避开所有关键剧情剧透
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在不断放出各种前期消息之后,《比利·林恩的中场战事》终于被本届纽约电影节列为特别展映单元的加场。正当所有人都在期待抢票的时候,官方却开启抽奖制度——只有获得中奖邮件的人才能购买本次展映的票。本以为早就没有希望的我,却在前一天收到了这个邮件,当时的心情真的是激动的无法形容。
除去下午不面对观众的官方首映,晚上9点这场成为了本次电影节面对观众的首场。完全没有任何前期的媒体评价的情况下,我们这一场所有的观众对影片的内容都一无所知,所以个个都是十分激动。影片开始前,李安导演本人来到了现场,为大家献上一小段演讲。这位已经在电影领域取得这么大成功的人,却依旧能够保持谦虚与和蔼,不禁让人肃然起敬。
虽然影院最大的银幕还在装修,本次所有的展映都在一间小影厅内举行。但是放映的配置完全是达标的,4K的超清画面,RealD3D的超级3D技术,以及本片最大的噱头120帧,都能在这里看到。有小伙伴问到我门票的问题,在这里说一下,本片的公众售卖价格是45美金,学生和会员则是35美金的优惠票。去年纽约电影节的头牌展映,《乔布斯》则是50美金一张门票。所以还是很良心的了。
本片最让人关心的,就是它的效果。RealD3D真的是完爆之前我看过的所有3D电影。片名出现在屏幕时,感觉并不是在银幕之内,而是完全浮现在你和银幕之间。子弹、爆炸、烟火、尘土,都跨越屏幕,朝你眼前飞来。一颗大树,你能看清楚,不同层次的树枝之间彼此分层,这点就让我震惊了很久。所以你会觉得,银幕不再是那块小小方方的幕布,而是将你本人完全包住,让你置身于现场一般。
120帧的效果,将成为本片最为争议的一点。画面运动过于流畅,反而让人觉得并不是在看电影,而是置身于现场。这样一来,这到底还是不是电影,成为了一个争议点。同样,4K的超清,放大每一处细节,反而更让观众有一种分不清现实与电影的错觉。RealD3D带来的分层效果,让你觉得远景和近景彼此分离,不再单独处于一个屏幕之上。所有上述几点的综合,使得本片是视觉效果站在一个崭新的制高点之上,但是同样带来的,是对整个电影行业的革新。
除去新颖的效果,剧情也是值得讨论的,注意,在本文中不会有大量剧透,大家可以放心往下看。《比利·林恩的中场战事》改编自同名小说,是两年前李安导演的一位同僚推荐给他的。影片围绕比利·林恩这名普通的美国士兵,因为在伊拉克战场立功而返回国内接受嘉奖。影片将重点放在比利和他的战友参加橄榄球赛中场演出这一天展开,同时穿插他在伊拉克战场的点点画面,对比地球两侧截然不同的样子。
李安导演对原著做了一定的改编,在这里便不多说。其实抛开技术层面来说,本片的剧情在李安的电影中算较弱。可能本身也和原著有脱不开的关系。 尽管这个短暂的中场休息表演只有二十多分钟,整个故事也只是一天的时间。但在这一天里,他真正理解了爱情、友情、亲情。在战争的残酷回忆,与美国社会的点点滴滴,他对自己的人生有着更深一层的认识。
李安用这段中场战事去见证这个男孩的成长,以小见大去折射战争给人们带来的反思与问题。与今年同样火爆的《萨利机长》不同,本片没有在强调英雄这两个字,而是更多去探讨他们常人的一面,他们凡人的一面。
影片有个画面令我印象深刻。在伊拉克时,执行任务之前,长官总会对每个手下都说一声“我爱你”。大家多半是不以为然,或是不屑一顾。但在影片最后之时,比利终于理解长官这么做的用意。此时他含着热泪对所有战友说“我爱你”时,大家也都同样报以回应。所谓的成长,不过是如此吧。
在片中饰演男主的乔·阿尔文是一名新人,此前没有出演过任何影片。能在第一部影片就出演李安的大片,让我觉得他肯定有非同常人的地方。就我个人的感觉来说,我很喜欢这个演员,而且他也有种别样的气质(我就是觉得他帅~~)。而克里斯汀·斯图尔特,在本片中不再演她自己——一个酷酷的女孩,而是真正融入她的角色,真的让人眼前一亮。李安导演的儿子李淳也参演了本片,表现也很出彩。
这部影片,是对整个电影行业的挑战。我在写这篇文章的时候,就听到了很多媒体都给出了恶评和差评。这点是可以理解的,毕竟李安是常识这个领域的第一人。这么多最前沿的技术交织在一起,没有些争议和讨论,也是不可能。
无论最后媒体评价如何,这样一个保持着谦逊的影人,怀着最为真诚的心,去制作自己想要的电影。同时又能保持一颗探索的心,去尝试最为先进的技术。就凭着这两点,我要给李安和《比利·林恩的中场战事》满星五星。
毕竟,看电影是很私人的事情。能让你感动,本身就足够了。
CharlesFRen
写于观影结束后的夜晚
10/15/2016
3 ) 谁此时告别故乡,谁就将永远流浪
看完《比利·林恩的中场战事》120帧回来,有人问我值得不值得去看,我才想起来整个的观影过程中竟然完全没有去思考过这个问题。只是完全进入了比利的世界,看他所看,思他所想。因为太进入情境,所以开演三分钟后我就开始鼻酸,我也为自己的多愁善感而感到不好意思,但是当比利回到家,和一家人一起吃饭,家人吵了起来,妈妈突然一拍桌子的一刹那,我看到比利被吓得一哆嗦,眼泪就再也忍不住流下来了,后面的戏基本就是时不时的哭着看完的。回到家,我在微博上说这电影看得我哭坏了,然后有小朋友纷纷回复我,原来我不是一个人啊。是啊,这电影真的有人会看哭,看电影时,我旁边坐着一个二刷的朋友,她哭得稀里哗啦,当我听到她的在黑暗中抽泣的声音,突然觉得自己也不那么孤单了。
为什么要哭?不知道唉,不过这让我想起有一次做绿妖老师的电台节目,我说我看托尔斯泰的《安娜·卡列宁娜》的时候,有一段,是列文在一个政治场合遇到一个邻居,两个地主就聊起天来,我读着读着就哭了。绿妖老师就说,为什么要哭?我想了想说,大概是因为那段很平常的对话,充满了人生的无奈和艰难,是平时人们都注意不到的。可是托尔斯泰注意到了,记在心里,还写了出来。我当时觉得托尔斯泰如果连地主都能懂得,大概也一定会懂得我吧。看比利·林恩的故事就有这样一种相似的感觉,镜头其实就是导演的目光,一个导演是什么样的人,就决定了他自己能看到什么,能让观众看到什么。看《比利·林恩》的时候,我感受到了李安的目光,他真的能看到哎,我们这些小小心灵的世界,我们心中那些不可言说也根本说不清楚的尴尬,痛苦,为难,困惑。他真的全都看得到。我不仅随着他看到了比利的内心,也感觉自己的内心被看到了,我所有说不出的委屈和为难,不用一言一语,他全都懂得,这目光太温柔,于是我哭得像个孩子。
小小士兵比利·林恩的故事并不复杂,所谓“战争创伤”这种理论性的名词,我们也都听说过,但是真正的感同身受,恐怕没人能做到。汶川大地震的时候,学会了一条心理学知识,不要随便对经历过苦难的人说“我能理解你的心情。”,因为你理解不了。也不要对他们说”我懂你的感受”,因为你感受不到。比利从遥远的敌国,回到自己的祖国,他从前是一个普通人家的不引人注目的男孩,他的内心也许是孤独的。但是他现在成为了整个美国家喻户晓的英雄,他终于被人看见了,人人都知道他的名字,可他的孤独没有消失,反而膨胀起来,变成了和他的名气一样的大的东西。荣誉,爱情,金钱……在短短的几个小时之内一一从他身边经过,但是他感到的却是越来越孤独,人人觉得自己懂他,他们赞扬他,评价他,定义他,人人看到他站在眼前,但是没有谁真的能体会他的感受,人人在看他这他,却没有人看得到,他的悲伤那么大。(写下这句话,真是好想配张搞笑的图片,配合一下我们这个荒唐的人生啊)。用他自己的话来讲,人们在赞扬你生命中最惨的一天,那感觉真是……
看到即慈悲,被看到就是被抚慰。看到不容易,同床共枕的夫妻,深爱着对方的父母和子女,同学,朋友,同事,每天都和你生活在一起的人,却彼此看不到,走在这人世间,四周都是明眼的人,却像个隐形人,内心无比孤独。很多人说李安这部电影的态度很模糊,甚至是没有态度,我觉得他当然有他的态度,但争论李安是什么样的态度,对于我来说并不是十分重要的一件事。看电影这种事,有时候不仅是需要走脑的,还需要走心,有很多时候需要的是去感受和体会,而不是去用逻辑思考和思辨。有些人就是只能走脑,无法走心,无法去感受和体会,或者天生如此,或者后天被各种学习和训练得如此。这很神奇,完全不能靠逻辑思维的讨论方法去达成共识的,走心这种事,如果谁的心门是紧闭的,眼睛是闭上的,他感受不到,看不到,那也确实没办法去强求。
说回到文章开头提到的那个关于120帧的问题,到底这样一个故事值得不值得去拍去看120帧?我的答案是,值得。未来我们会看到很多探索宇宙的大电影用120帧去拍摄,我们将来有的是机会去看,而且可以见各种视觉效果会层出不穷。但是把一个普通人的小小内心世界,看得和整个宇宙一样重要,认为我们每个人都值得用这样的方式被看到的,也许只有李安这个人,这样的电影,也许在今后很长一段时间内,也只有这一部了。
士兵比利·林恩最后做出了他的选择,在和姐姐告别的时候,他说自己可能到死都是个处男了。这一天对于他来说,其实是一生中十分重要的时刻。也是文学里常提到的一个精神顿悟的时刻,这个小故事像极了乔伊斯的小说,在故事的最开始,作为一个旁观者,我是希望比利能做出留下来的选择的。这有什么难得呢,不应该是自然而然的事吗,他是战斗英雄,有足够正当的理由离开部队,爱他的姐姐,用力的在抓紧他,新认识的姑娘也许能发展一段美好的爱情,他可以把他的故事卖给好莱坞换一笔钱,他的好形象让他找到一份体面的工作不是难事,而最重要的是能够在和平的世界里活下去,他不是一个家国观念深重的小伙子,经历过了这短短的一天后,也已深知战争的无意义和虚无。那么,他为什么要选择回到战争中去呢?
因为他的孤独太巨大了啊,他的悲伤也太大了,好像房间里的大象,已经大到了他身边的人都看不到,姐姐很爱他,虽然不懂他,但是给他找了心理医生,可心理医生能帮他什么呢?萨特说,他人即地狱。那么对于比利·林恩来说,这一天如果不是还有队友,队长陪伴在他身边,这一天就可以说是一个由所有赞扬他,关注他却不懂得他的人组成的一个巨大的地狱。所以,在电影的最后,他回到了他的队友身边,回到战争中去,那不是什么为了荣誉为了国家的选择。那是他,一个求生的人,唯一能做出的选择。因为这个世界上,祖国已不是家,伊拉克更不可能是,此时的比利,能做到的决定,可能只是回到那辆装甲车上,回到他的队伍中去,一个叫比利·林恩的士兵的内心,才能感到自己与这个世界真正的链接,才能觉得自己真正被看见和被懂得。虽然小伙子们都不太会说话,但也只有这样彼此珍惜着,相依为命的走下去了吧。这是孤独的少年在茫茫大海上能看到的唯一的一点光亮,他只能尽力的游过去。是啊,我们就是会不顾一切的去抓住人世间这一点点仅存的光亮和温暖,因为我们不仅孤独,而且脆弱啊。就像王佳芝最后的选择,是因为脆弱啊。
也许有一天,比利·林恩能活着回到故乡,但是他恐怕也知道,此刻他这一脚踏出去,告别家乡父老,告别原来的生活,从此后万水千山,那个从前的比利,恐怕就再也回不来了,也许,从他当兵的第一天,他就已经回不来了,再往前推的话,也许从他姐姐出车祸的那一天,就会有今天的结果。所以死去的队长才对他说,这就是命运。突然的车祸,山洪暴发,这种事当然是命运,但人生的很多时候,当你面对抉择,以为自己这回终于可以选择自己的命运了,结果很多年后却发现其实你只是又一次被命运选择。纵使一切从来,再给你一百次机会,在当年,当时那样的情境之下,还是会做出同样的选择,尽管事情过后你也许会后悔,也许觉得自己再有一次机会,一定会选择另一个答案,但其实并不会,这也是命运。在电影的最后,比利懂了,也接受了,所以他走了,这和爱国无关,反战无关,只和一个叫做比利·怀恩的小小士兵的命运有关。作为一个普通的观众,我看到了,也被看到了,这就可以了。
电影结束之后,我在街上走了一会,脑海里一直回想起里尔克的那句诗:谁此时孤独,就永远孤独。我想接一句:谁此时告别了故乡,就将永远的流浪。如果孤独也是一种命运,那么我们也只能接受它,不是吗?但是我爱你啊,在孤独中静静的用目光陪伴着我的朋友,谢谢你看到我,我想告诉你,我也看到了你。
4 ) 一个存在主义者如何回答“普度众生”的问题?
李安的哲学是东方哲学(大乘佛教)与存在主义的深刻结合。这种结合在《少年派》中体现为海阔天空的场景构想和奇幻的宗教体验。派是我们爱做梦的年少,对奇幻和冒险的憧憬。而比利林恩中,所有美丽和幻梦被导演冷酷地打破,只变成三个字,我们再熟悉不过的——美色,食物,金钱。
作为一个看《少年派》不下十遍的李安迷,我已经很习惯李安的套路。李安善用暗语,真正的表达和看不见的情绪推动,全部是在冰山之下,要前后结合起来思考的。在这里,我慢慢把自己看见的一些暗线挖出来,昨天晚上刚看的,有很多细节之处可能会有偏差,还请大家指正。
让我们先从“美色”这条线来看。这条线的明线是:林恩和姐姐对话,说明自己是处男。接着作为英雄接受采访,十分钟后跟美丽的菲姗make out。球赛开始,奏乐,在这个圣神的时刻林恩对未来生活产生极其美好的幻想,泪流满面。歌舞表演结束后,B班和工作人员争执,啦啦队姑娘们来拉手走下去,此时林恩和菲姗有了第二次对话,这一段很平淡的对话里藏了很深的玄机。最后,两人在比赛结束后接吻,告别。林恩看到姐姐,又说了这句话:我可能到死都是处男。
在这条线中,大家可以先思考的问题有这么几个:
1、一个长得不错的德州白人男生,为什么19岁还是处男?(这不符合常理)
2、情绪高潮的性幻想,大房子,金毛狗,为什么导演刻意安排的是女上位?为什么比利当时会泪流满面?
3、菲姗和林恩的第二次对话中,说道自己为了琐事烦恼,提到(引擎作响,室友的猫把沙发抓破了),这两句台词是什么含义?
4、告别的时候,菲姗对林恩表达崇拜,大家都解读出来她爱的是英雄的标签,为什么最后林恩对姐姐说自己仍然是处男? (否认和抹去刚刚发生的一切)
第二条线则是“食物”,人活着,最重要的东西是什么,就是吃饭而已。从《饮食男女》开始,李安对于食物的语言和意义就已经驾驭得相当纯属,吃什么,和谁吃,怎么吃,食物本身就带来了一切尽在不言中的种种含义。我们回顾一下从影片开始:林恩刚刚回家的时候,母亲说做芝士焗鸡给他吃,冰箱里已经放满了他喜欢的可乐和Dr.Pepper。家人的晚饭,菜品是可乐、芝士焗鸡(火鸡)以及一大坨很难看的藜麦。进入体育场内,两边售卖的Papa Johns, Burger King 和各种香肠。刚刚坐下来的时候,他们盯着前面的观众端着大份的Burger和薯条,有了这样一段对话:“你说这些人在想什么呢?”“深沉的问题吧,哲学,上帝,生命的意义。” 接下来,是华丽的午饭,镜头特写又落到了羽毛装饰的火鸡上,被装饰得丰满华丽的自助餐吧,然后是狼吞虎咽的B班大兵们,吓到了旁边穿香奈儿套装的一位老奶奶。餐桌上,一位页岩气开发商过来对话,然后被当成出气筒骂了。之后,B班大兵回到座位上,买来的饮料是一人一杯咖啡。中间有人突然拿到一瓶Whisky,藏起来(重要,注意!) 并不知道那瓶Whisky是哪里来的,只知道有人送的。另一个和食品有关的暗语是“头疼药”,一共出现了三次,从车上跟manager要,到了会场后manager忘记给他,后来见完大老板之后给比利了。此外,牵强一点地说,死去的上校名字,也和食物有关,他叫“蘑菇”(Mushroom)。
在食物这条线中,大家可以思考这么几个问题:
1、为什么死去的上校叫Mushroom(蘑菇)?你知道蘑菇是什么的话,其实也就可以理解为什么导演会这样取名了。
2、林恩的家庭晚餐,火鸡,藜麦,可乐,整个餐桌上的画面色彩是非常单调的。儿子载誉归来,为什么我们却完全感觉不到欢乐、庆祝的家庭氛围?
3、导演用食物渲染普通美国民众,肥胖、臃肿、粗鄙,无节制的喝可乐、吃汉堡、吃薯条、披萨的样子,是为了说明什么?
4、在那顿很华丽的午餐中,为什么导演要刻意渲染大兵们狼吞虎咽,惊呆四座的样子?当中有一句重要的台词是:体育场的蛋糕太好吃了(The Stadium Cake is so good), 为什么导演选中的食物是一块没有营养的奶油蛋糕 (而不是鹅肝、牛排等更好更高级的食物)?
5、“头痛药”前后三次的出现,都在说明什么?
6、那瓶Whisky是从哪里来的?怎么忽然就有人送他们whisky了,那是谁呢?为什么要送他们Whsiky呢?
最后,刚刚提出的所有问题,明线暗线,可能都要串联到“金钱”“贫富”的主题上来。关于金钱这条线:从高级酒店,加长悍马开始,我们有了一个华丽的场景开端。悍马上黑人公关说,拍电影,一人十万美金,然后他们开始讨论十万美金要拿来买什么。镜头跳转,比利回家,他家的楼很破,年久失修的样子。和嫂子对话,说哥哥出去打工了(后来这个哥哥在整个家庭场景都没有出现)。父亲瘫痪。再到姐姐身上的疤痕,深夜打工开车回来被一辆奔驰撞了,在医院时未婚夫甩了姐姐,比利愤怒地砸烂了有钱未婚夫的新跑车,才被迫入伍。大老板,球队的拥有者Ogasby,第一次问候他们、在镜头面前表达对英雄的崇敬,第二次出现则是和他们谈合约,画风突转。吃饭时,谈到退伍后,有一名技术兵说道自己可以去IT企业,收入很好。中间和waiter小哥一起抽烟,三个人说有人花二十万美金只为了能买个座位的权利,而自己要养家,待遇太差了,也想去当兵,能拿到六千美金,还有很好的福利待遇。三个人默默无语,抽完一支烟。再转回拍电影,十万的报价,希望落空,唯一的offer只要班长和林恩,变成了每人5500美金的巨大落差。到最后结束前,姐姐来找他,开了一辆显然很旧的酒红色二手车。
金钱,是现代社会中所有行动和所有存在的根本原动力。食物、衣着、住房,也无不跟金钱有关,在单纯的金钱线中,我们可以思考的问题是:
1、林恩和B班的大兵们,从他们想买的东西来看,说明他们的原生家庭状况如何?
2、从林恩的家庭结构和家庭成员来看,为什么他们的家庭较穷?
3、姐姐想把林恩留下来,除了负罪感和舍不得,还有什么更深层次的原因吗?
4、关于金钱的矛盾激化,在老板身上得到体现,老板将他们请来体育场,在镜头面前各种尊敬和崇拜几乎流泪,到会议室里谈电影Offer的冷酷无情,老板在想什么?
5、为什么吃午饭的时候,做页岩气的企业家如此友好,却激怒了班长?
6、剧中下台之后,大兵和工作人员发生第一次矛盾冲突,与在停车场内工作人员冲上来打人,为什么这些基层工作人员对他们如此粗暴野蛮,甚至还要冲上来报复? (临时工啊,临时工)
好,三条线,几个主要问题讲完了。接下来我们一层层地把冲突、矛盾和价值观的变化,重新构建起来,最终理解,导演在这部戏中,怎样一层层地构建梦想,再打破梦想,最后来完成了——大乘佛教与存在主义深刻结合的哲学表达。
整部电影要探讨的核心问题是:比利林恩的自我价值,幻想,崩塌,与重建。
在第一层,我们看见的是荣耀,是大兵们牺牲自己而保卫国家,得到关注和荣誉。此时,他们的意义被构建为国家的英雄,是众人的骄傲。大兵们自己也在这个角色中感到非常飘飘然,这是他们的第一层幻觉,我是英雄,我正在被崇拜、被欣赏,我们可以和真命天女一起演出,我们在全国上各种主流媒体得到关注。这是第一层的幻梦。
然后,第一层幻梦就很快被破掉了。“有时候我在想,我们这样的人是不是值得被保护?”脑满肠肥的,庸俗不堪,甚至对他们恶言相向的普通民众。很快打破了这种我为人民的幻想。
当他们开始讲冠冕堂皇地话的时候。当比利是为了避免入狱而不得不参军的时候。当他们在媒体面前美化自己的军旅生涯的时候。他们回到第二层的现实——参军也许并非是一种主动的、为意义献身的伟大选择。它其实是每个人出于无奈,走投无路而被迫做出的选择。就像此时此刻银色勋章加身的比利,其实只是为了避免入狱、为了姐姐才不得不参军。就像他们被认为是英雄的那场战役,紧张、混乱而没有章法,策略失误和mushroom的牺牲。他因为那一天而成为英雄,那却是他生命中最糟糕的一天,并不光荣,也并不伟大的一天。
从无所不能的英雄开始,李安轻轻就破掉了这个云端的幻梦,把他们拉到了深深的地底,每个人都在自己的生活深渊中挣扎,都只是在美国社会中没有选择的普通人。比利问班长,如果你有选择,你还会回伊拉克吗?班长说了三次,我没有其他选择,所以这个问题根本就不是一个问题。
其实,英雄是假象,没有选择,才是真相。那么,我们因为穷,因为我们无能为力,因为没有其他选择,采取参与战争,我们是loser,这就是全部的意义和答案吗?
这里,还有第三层的幻想,我们曾经没有选择,那今天,当我们已经是英雄之后,是否可以用英雄的名义,来商业社会换一个合理的价码,也算是对自己的一种补偿。上媒体,站台,被采访,都是虚假的光环,但随之可能而来的“十万美金”,却是所有大兵们一直念念不忘最重要的事情。人可不可以单纯地给自己一个对价,把自己当成某种商品出售呢?钱带来某种安全感,选择权,和人生被改变的喜悦。是否可能呢?
而十万美金标志着的,从“英雄”到“成功变现”的路径,最终被证明走不通。每个人都会问自己,我的价值在哪里?我真的有价值吗?对于B班的同学来说,他们将自己的英雄价值,锚定在了拍电影的10万美金Offer上。活在商业社会久了的人,都知道用价码来衡量一切。那么,什么虚无的、爱国的的意义如果不能被“庸俗众人”认同
班长与比利在老板会议室里,因为5500美金,而感到自己像乞丐般受辱,最后说:sometimes nothing is better than something。有时候,什么都没有,比有一点总好。这句话背后,其实有两层意思,第一层是,如果商业社会给出的价码够高,好,那么我们其实是不介意卖自己的。但第二层,心理落差,带来的价码落差之后,就像“英雄值十万”在三小时后通货膨胀就贬值到了“五千五百美金”的时刻,就是自我价值摔得粉碎的时刻。
好,第三个商业变现的梦想破灭了。自我价值该去哪里寻找?
这个体育场不属于他们,这个社会,这些梦想,可能也不属于他们。属于他们的,可能只有战场,真实的,伊拉克战场,真实的远方。他们只拥有彼此,也只属于彼此。
回到悍马车,开往营地。他们如释重负地说,I love u。共同经历一场幻梦,一场破灭,而最终,一切就像是一块好吃却没有营养的奶油蛋糕,像是烟花瞬间绽放却毫无真实。所以,任何事,其实都只是人,面对自己的本心,自己当下状况的选择。当它被标签化,被阐释、被放大,被解读,甚至可以交换和买卖的时候,都只是带来更多痛苦的妄念和假象。
印度教,mushroom,谈因果,谈something larger than life,象征物是那一只白象雕塑。佛教建立在三条绝对真理上,诸行无常,诸受皆苦,诸法无我。而这里值得注意的是,诸行无常和诸受皆苦这两个法印,是古印度智者们早已发现的真理,“诸法无我”是佛陀自己发现的真理。那么,李安选择的是“印度教”,而不是“佛教”的象征隐喻,恰恰是因为,他对诸行无常,诸受皆苦的两个客观真理作出的解答,和佛教不一样。
诸法无我,是佛陀说,痛苦产生于我们的心,如果我们在任何当下都能达到无我的状态,痛苦便无所依附,也无法产生了。
而李安说,诸行无常,诸受皆苦,人在社会中无力,又被各种幻象和外境折磨。我们做不到无我,但我们可以选择全部的我,用最大的诚实,和最大的勇气,来面对现实。纵使没有选择,纵使有软弱和痛苦,但这,就是生命本身。这,就是存在本身。我们不再需要寻找,“赚钱”“做英雄”“保卫国家”这些虚无的,美国梦般的意义。梦碎了,人不骗自己。来这个世界上,人要向前走,人只能也必须向前走。
这是尼采,是加缪,是陀思妥耶夫斯基的回答。
地藏王菩萨发愿,地狱不空誓不成佛。每个英雄都说自己普度众生。空中楼阁的意义面对腐烂又浅薄的大众,你这一生所有的血泪真的是为这些人而流?
谭嗣同拿断头台唤醒观众,康有为终究被翻案定性为小人,台面上的人都只留下标签和脸谱,比生命中最惨的一天变成荣耀,媒体嗜血撕咬你作为一个人最深的伤口。终有一天,我么不在寻求理解,不在寻求作为一个人意义上的解释和诉说。
众生不是你旁边的那一个,它中就必须是个虚无到哲学意义上的概念。世界上有一些工作必须要去做,有一些责任必须要去承担。存在的主体终究明白责任只是对自己的救赎,与他人有关,又与他人彻底无关。
存在先于本质是萨特,不动声色地讲Karma是李安。观众们在台下嬉笑怒骂随意评论,英雄们存在与自己的存在。
因为,我始终明白,自己这一生的责任。
5 ) 面对乌烟瘴气的评论,是时候拿出点创作者的偏见了
先表个态,内容三星半,技术加半颗星,是值得反复观看的佳作。本文带有吐槽性质,最近看了太多唧唧喳喳的评论,在此我作为一名菜鸟级别的创作者,为李安辩护。
1
李安从来就不是一个划时代意义的革新者,他永远无法给电影带来如戈达尔那样里程碑式的影响与贡献。但他绝对是个一等一的改良者。区别在于,他没发明什么新东西,但他利用现有工具的能力绝对顶尖。在某种程度上,他的几个作品都是接近“极致”状态的。我不是说它们完美无瑕,而是他在具有对现有电影语言广博而扎实的掌握基础上,都为自己的表达找到了相对最好的方式。在这个寻找的过程中,冷不丁就会出现如本片一样具有重大意义的改良。120fps不是他发明的,是个在Digital Video领域已经存在的东西。我们在许多体育比赛的直播中也领略过了60fps/90fps的威力,说这个120帧与电视有不可分割的渊源好像也不太为过。但为什么只有李安想到了借用这个技术,去拍这样的题材,从而创造出这样几乎全新的电影表达方式?本质上,他不就是把已经存在并且普遍认为不太可能用来拍电影的东西,拍成了一部出色的电影。这么一讲,李安牛不牛逼不是很明显吗?
2
有些人啊,就是乃义务。借着filmmaking平民化的浪潮,以为自己拍过几部连电影都称不上的东西(或者只是看过一些电影,连制作经验都没有),就觉得自己可以指手画脚了。你真以为24fps和120fps在拍摄上的区别仅仅就是帧率快了5倍?依我看来,虽然最终效果不能说完美,但按照其中可能遇到的技术难度,已经是非常牛逼的级别了。我朝羸弱的电影工业、混乱的制片管理、糟糕的人才素质是根本没办法做出这样一部片子的。
首当其冲的自然是照明问题。简而言之,成本会急剧加大,麻烦会急剧增多。室内照明,达到同样曝光的前提下,光圈需要开大二又三分之一档(这样会带来景深的较大变化)或光圈不变,灯光亮度提高二又三分之一倍(不论是加灯还是换大功率灯都是件麻烦事,会有一连串连锁反应)。(感谢温丝儿提供的精确数据)室外照明稍好一些,大多是烈日当头的戏。但人物常常会需要补光,这时靠普通的反光板应该就没用了,需要人为加灯。比如两位班长罚男主角做单杠的场景。两位班长本来就站在阴影下,没有任何逻辑光源,就会非常黑,所以能看出有额外的灯打在他们身上提亮人物。而且应该很多普通24fps可以使用的灯光器材都不能用,因为在120fps高速摄影之下会有频闪。其次,要使用普通电影拍摄不太常用的摄影机,并且还是3D拍摄,难度又会加大。(ASC肯定有专访,目前还没机会看到,技术问题可能会更多)
之后就是化妆、美术、服装、表演等等,只要出现在画面里的东西,通通都会受影响。简而言之,很多人看完60/120版本的第一感觉是非常非常清晰。那就对所有这些部门提出了比一般电影更高级别的要求,没有两把刷子就会轻易露馅。特别是目前的成品效果,化妆部门绝对值得表扬。在这些技术难题的基础上,又有几场特别难拍的大戏。比如中场秀表演,比如枪战。还要再做很多后期特效(特效成本又因为120fps会急剧上涨……)。安叔能把整部片子齁住不崩掉已经是大功一件了。
3
什么样的人就会拍什么样的电影,如果他足够诚实的话。
没错,李安是走中庸那一挂的。因为他本人激进的地方无关政治,也不在观点。他激进的是情感。但是某些人少把平庸和中庸划等号,偷换概念,偷鸡摸狗。一方面,少有导演的作品能够具有如此充沛的情感能量但丝毫与煽情和滥情沾不上边的。因为李安的中庸能让他把握好度,掌握好每一个节奏,让整部作品的情感推进达到丝丝入扣、错落有致的效果。另一方面,从跨文化的角度去理解,他的作品更是功德无量。中庸非普通,而只是诸多风格中的一种而已。按照风格平等的原则,中庸做到极致就是大师。
影向标里某人以“纯粹感官刺激”为由给这片打了个不及格的分数,那希胖子大概要从坟墓里爬出来扇你两个嘴巴子了。因为你看到的是表层的“感官”,我看到的是“体验”。这种体验是全方位的,通过导演运用各种手段塑造出来的。而且这个“体验”足够诚实,因为分明就带着李安这个人人格上的色彩。这个体验是独一无二式的“安”式体验,看李安的电影就像是在读他本人的一部分。这种诚实的创作需要太大的勇气,就像是脱了衣服在公众场合给人看一样的感觉(做过创作的人都会明白)。如此这般还不是个牛逼的电影作者,那什么才是?
4
一个人的真实与TA在公众那里被认知的形象可以有很大的差别。而一旦有了这样的差别,便会产生一种奇怪的张力。
电影制作的过程其实充满了未知和偶然,简而言之,变数是很大的,创作者不可控的因素可能很多。一个人可以在不经意之间凭借某种偶然,从而使得某个作品变得有点特别,而这个特别刚好又戳中了当时某些位置很重要的人的G点,继而产生巨大的影响。(参见霸王别姬……)而这种影响对于一个人很可能又是标签式的,一生一次的,从而让他的公众形象被长时间定义。(参见陈凯歌与霸王别姬……)虽然道理上讲,对自我最了解的人一定是自我,但面对山呼海啸的外界定义,一个人又很难岿然不动,所以他当然就会感知到这两者之间的差异。稍微控制不好的人就会被外在的定义所绑架,从而很可能踏上一条无比危险的道路就是——努力让“我”变成一个“非我”的东西。我承认这种偶然性是电影艺术魅力的一部分,也是电影创作神秘感的一种。但它也真的是害人不浅,就像诅咒一样,会让有些人以为自己可以,但其实自己也许真的不可以……(目光再次投向凯哥……)
李安在这片里说的很明白了:It's written, it's meant to be. 我举四只蹄子同意。一个人自己最清楚自己适合做什么,不适合做什么。可怕的是我们总是太忙于去在乎别人做得怎么样,而没空去认知自己到底应该做什么。如果整天想着别人都可以做xxx,我为什么不可以做xxx,那就坏了。这样不仅会去做不适合的事情,还会让本来就不清晰的“自我”变得更加被扭曲。
李安特别牛逼的一点就是,他能在保持对自己深刻“自知”的基础上,还能通过持续探索去挖掘自己的潜力。他的自觉意识是很强的,但他没有停止对自己未知的自觉的挖掘。他本人的创作也是一个逐渐放开的过程(艺高人胆大嘛)。你可以说其实他每一步都是baby steps,但因为对自己有特别理性的认知做前提,这每一小步的含金量可都是不小的。而且它对于个人的意义来讲可以被放到很大。你就试想你在众人瞩目之下踏出自己comfort zone的感觉吧,而且踏完了还要迎接各种评论的吊打,真的很恐怖的好吗!
5
我不懂学术,没什么理论基础。但要我评价李安,一定会放在两个大框架之下去看。内容(表达)上,他是深受传统戏剧影响的。手法上,他是好莱坞经典叙事和连续性剪辑的学生。
刚好昨晚看了今年戛纳的《毕业会考》,第一次看蒙吉的片。一场一镜,手持长镜头,特别新现实主义。这种风格追求的几乎是传统戏剧的反面:去掉表演,去掉功能性,去掉设计感,强调现实生活的零散与随机。有趣的是,李安在中场战事里的某几场戏也是用了自己不太常用的一镜到底的拍法。但他传统戏剧式的表达和新现实主义的东西就是很不一样的。他追求的其实确实是功能性。这种功能性是通过设计、处理,是通过很多调度手段来达到的,可以是事件、台词、行为动作、表情以及镜头等等。关键在于,传统戏剧的表达本来就天然具备很强的功能性。它本身和生活的现实就是有很大区别的。功能性不可能不存在,只有程度的大小,以及使用上段位的高低。特别差的那种相信大家看过很多烂片都有所体会。特别好的就会让你仿佛觉得这个故事很可信。但实际上哪有戏剧就和现实完全划等号的?因为戏剧再怎么写实,都是有表达的。它的剧本背后有个驱动力,来自于创作者的意念。这个意念就驱使创作者要用功能性让作品走向某个方向。在我看来,本片是不存在什么人物、情节太功能性的问题的,而且很多看似有点刻意的设计,都在逻辑上是可以解释的,一点不牵强。所以就没问题。况且整个片情节缩小到一天之内,从头到尾,按照时间顺序流淌下来,闪回的穿插点也都很顺畅,颇像一个公路片,算是很高明的方式了。
所以那些说李安为何不这样这样拍,或者那样那样拍的人不要叫唤了。首先你们提出来的很多东西就不在李安的创作手段之内,风格差太远,风马牛不相及,听你指挥就只能拍出来更糟糕的《路边野餐》。再次,就像我上面说的,李安是一个自洽的整体,你把你的意志真要强加给他的话,李安本人也就灰飞烟灭了,不存在了。说白了就是,我就是我,你要让我去做一点不是我的东西那我就不可能是我了。希望这个逻辑可以让今后此类所有的建议都被淋淋吸走。
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我发现很蠢的人看电影就是灾难。我特别烦很多人对这部电影所要表达的东西作出很多自以为很到位实际上肤浅到可笑的理解。李安自己都说了,原著小说其实很意识流的。所以你真以为你那么点脑袋瓜子想出来的东西就可以把大家打发了?还非要别人欣赏你的解读吗?
什么一提到结尾就是美国主旋律啊,或者自动联想到反战主题啊(这个太蠢惹你没看到最后男主又回去参战了吗……),或者就说他就是明显不适应回国的生活啊还要去战场上过瘾啊(这个倒也不是完全错的,但是只停留在这就太差了)之类的。Come on! Is this the best you can do? 这些人很奇怪的是他们把电影这个本身可以很复杂的东西简化成了数学等式一般的确定、套路和二元。说这个片太圆滑完整没有思考空间的人其实那是因为你就没想思考好吗?只是留白的确不是李安玩得最精的东西罢了。别说这片了,真想思考的话,小时代里都能看出哲学呢。
我确实有朋友给我反映说,看完觉得结尾有点主旋律。我告诉她,别把主人公回归战场的行为简单的理解成爱国,而是当成一个个人选择去看,其实就会看到更多。这就算一个开始。
拍电影不是写议论文,不是做演说。所以这也是为什么经常有人问电影导演你拍这个想表达啥/你为什么要这样拍/你为什么想拍这个等等这类问题的时候通常得不到明确答案的原因。因为如果他要拍的东西给你用语言能说清楚的话他干嘛不为低碳经济做贡献而是去大费周章组个什么剧组折腾几个月花那么多钱拍电影,他直接讲给你听或者写篇文章表达一下中心思想不就完了???而且还有一点必须要明确的就是,作品完成的那一刻,就与创作者脱离关系了。作品是用来给大家看的,不是光给作者自己看的(当然他的初衷可以是为自己而拍)。意思就是每个人都可以对作品产生自己的理解,而这也是艺术作品最大的价值所在。作品是独立于创作者和受众之外的第三个个体,创作者的意图已经并不重要了。因为严格来讲那是属于人家的隐私,人家想不告诉你就不告诉你。如果一个人对艺术作品没有自己的理解,就无法与他产生紧密的联系,就没办法把它融入到自己审美经验当中去,就不会有独特而私密的审美体验,从而这个艺术作品对他的价值就几乎是零!
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缺点当然有。120还没机会看,60相比24的话,表演上的痕迹就已经重了不少。另外某几处节奏有点小问题。中场秀结束之后的部分略微有点长。一些调度太舞台剧以至于和影片形式上所追求的临场感有点背道而驰。但这些都是我个人的体会,而且很多都是吹毛求疵,也不太可能避免(鉴于李安本人所属的框架)。所以这片肯定不是完美的。但它已经让我看到了一种全新的表达方式。一种曾经被忽略,或者甚至被唾弃、嘲笑没有电影感的技术,最终真的成就了一部出色的电影。而且我已经能看到这种新技术将来可能的用武之地,比如我们应该都期待一部120fps的纪录片(最好还是3D 4K的)看起来会有多么震撼吧!
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如果我说了这么多还有人唧唧歪歪什么的,那也不怕,不是还有那句杀手锏嘛:
你行你上呗!!!
(本人非电影理论专业人士,技术上的东西也可能有不准确的地方,欢迎指正!)
6 ) 实拍也有“恐怖谷”——《比利林恩的中场战事》120帧观感
实拍也有“恐怖谷”
——《比利林恩的中场战事》120帧观感
2016年11月13日
本文也就简单讲讲120帧技术,不谈故事。观影地点是上海影城。
首先要感谢李安,“山就在那里”的精神,让我们有幸看到传说中的120帧画面。《比利林恩的中场战事》,是《阿凡达》、《地心引力》之后,又一部能让人在电影原教旨主义上有所启发和思考的电影。不过,李安做得不像卡神和卡小神(阿方索卡隆)那般,在电影3D上有非常成熟的实验和思考,继而在电影表现中显得圆滑和保守;而是勇敢地把120帧的优点和短板都一一露出,反而给人一种“你们观望吧,我先冲了”的生猛劲儿,非常像罗伯特泽米吉斯的《贝奥武夫》和《极地特快》在CG人物和动作捕捉技术上的探索,元气淋漓,但是可以认为是失败了。
《贝奥武甫》和《极地特快》,包括最早的《最终幻想》,都证明了一点:现在的技术还无法真正突破CG人物的“恐怖谷”效应。之后的《阿凡达》、《猩球崛起》,都理性地往后退了一步而获得成功。接下来的《创战纪》、《速度与激情7》、《本杰明巴顿奇事》、《终结者4、5》让老人变年轻、让死人复活,也都是浅尝即止,不敢大肆张扬。今年的《圆梦巨人》又在他们的基础上小心翼翼地往前踏了一步,做得更像人了,但是巨人的脸还是没有完成对“恐怖谷”的跨越,毕竟巨人就是巨人,还不是本金斯利。
而《比利林恩的中场战事》则证明了另一点:人的肉眼所接受的视觉信息与大脑对这些信息的解读之间,的确还有我们没有研究透的领域。120帧的特性,我觉得是在帧数上“粗暴”地达到人的肉眼真正无法察觉的密度,改变了我们传统的影像接受习惯,从而强化真实感。然而我们肉眼看到的画面,并不是只有高帧数这一个特性,其他形式的特性如果没有配套上,真实感和不真实感之间会形成矛盾,从而产生一种说不清楚的怪异感。
也就是说,《比利林恩的中场战事》让我们看明白了一点:实拍也有“恐怖谷”。如果说它在影史能留下痕迹的话,这就是它最大的意义。
现在我简要总结一下《比利林恩》120帧观看效果如何:
1.3D的亮度足够了(不过这个在传统IMAX3D中也能达到,可能跟120帧没有什么关系)。
2.3D场景下,“摇”、“移”、“转”这三种拍摄手法可以不再让人头晕,真正达到了流畅,仿佛我们真的在扫视现场(记者会场景尤其突出)。可以说李安在本片中对“摇”的使用简直肆无忌惮,玩得很HIGH,效果超越一切以往的3D电影。《阿凡达》都不敢这么玩。
3.人物脸部的细节实在是非常清楚和真实。这可能导致两点变化:一是演员很细微的表情都能被捕捉到(比利林恩紧张时的眼袋在抖动),二是如同几年前《霍比特人》48帧的恶评一样,太流畅了,感觉太真实了,如果演员化妆了,那就是能看出来化妆了,可能会让人产生离间感。这个到底能不能用灯光和调色来弥补,我不知道。李安并没有在这方面很极限的探索。
4.浅景深造成人物与背景严重脱离,某些镜头甚至感觉像看皮影戏。因为在帧数上达到了真实,我们的肉眼渴望在景深和景别上达到相同的真实度,但是大部分镜头没有达到。很多画面李安还是按照传统的镜头语汇去表达,甚至有快速变焦。这些镜头尤其让人感到别扭。
5.大景深画面,让人产生了在看电视纪录片的怪异感。这个与我们初次在小屏幕上看高清电影的感受是一样的,不过现在大家都看习惯了,所以我默认将来我们会失去对大景深120帧的敏感。
6.大动态场面,120帧效果无人能敌。如果就看普通版本,本片的战争场面其实很平庸。但是换上120帧,我滴乖乖,一颗子弹就会让你吓一跳。这时我会突然感慨,下一个尝试120帧的应该是卖拷贝和保罗格林格拉斯。他们的3D电影不管是有意还是无意,都对我们的视觉产生了恶意。不过如果换上120帧,无论快速剪辑还是手持摄影,3D电影的短板都能被补上。
7.继承了第6条,我再发散一下。本来通过《阿凡达》、《地心引力》、《云中行走》,我总结出来好的3D电影的准则:完全尊重和模仿人的肉眼视觉,应该是大广角、大景深、长镜头,运动镜头应该稳重。不符合这三点的3D电影妥妥地应该打回2D原型。现在根正一下:结合高帧技术的话,快切和运动镜头是可以被引进3D语汇了,当然大广角和大景深不变。让观众的肉眼自行在画面中寻找焦点。
总结一下,现在很多人唱衰120帧,我觉得唱不衰。李安的尝试不能说圆满,但是及其有价值。如同战场上第一个被狙击的战士,他倒下了,但是他为我们指出对面狙击手的大致方向。
有完美体验的120帧电影一定会出现。到那时,我们再看电影产业和院线行当的又一次血雨腥风。
为李安的勇气点赞。
有你是影迷之福。
开场前李安一直说,我们做得还不够好,我反倒觉得,技术已经够好了,情节反而大大削弱。
美国人对战争的态度几十年来一直在倒退,当年批判越战的电影可不是这样。一边回放残酷的血淋淋的战争画面,一边又和战友们打趣说笑,“战友情义”就能让一切的怀疑消解吗?那怀疑的意义在哪里。不知男主的姐姐有未被说服,反正我没有。另外一味批评高帧率有什么意义,换成正常帧率内容也不变啊
最触动我的是结尾处林恩对拉拉队女孩只透露出一点离开军队的念头,女孩就瞬间变脸,全然不似刚才甜美的模样。我想起大学时我最喜欢的电影“她比烟花寂寞”,大提琴家杜普蕾患上绝症后用难以听清的口音艰难说出“When you play,everyone loves you;when you stop,you are alone.”
三星半,120帧的确是非常不同,非常独特的体验,亮度,清晰度,立体感都是前所未有的,感觉之前看的3D大多是垃圾。不过,我的问题还是无法入戏,过度关注视觉,而在情感共鸣不多。反而是看24帧的渣版,在剧情和情绪有了更多收获
比利林恩们的痛苦被大众无耻无情地消费 家人不理解 制片商利用 还有各种猥琐的讥讽和挑衅 就连喜欢的姑娘也只是爱自己英雄的头衔 没人在乎他们在战场上到底经历了什么 再漫长的中场休息也只是孤独的煎熬 一旦入了军营 就再也出不来了 也许只有战死才是归宿 感谢安叔亲身经历般的120帧4K体验 电影的未来
“人们忘性大,在好莱坞过两周就像过了两年” 120帧初体验,文戏部分无直观差别,每个人的脸都清晰如潮红,纤毫毕现,太挑战演员的皮肤。最明显的是5分钟战场戏,枪林弹雨,身临其境,但太短了…开头战争时间“2004.10.23”植入了安叔生日,儿子李淳相对酱油。“我的每一刻都是你的”
不管技术怎么样,李安始终是李安,除了几个太过于匠气的镜头,故事全程平滑流利又抓人耳目。中场表演那一段戏真是震撼到头皮发麻,几场文戏也是一如既往的高水准。女孩爱的不是男孩,只是英雄,群众爱英雄,然而只是自我满足的爱慕,他确实没得选择,人间地狱好像才是容身之处。
从未离电影中的角色这么近,都能看到演员眼睛里的血丝,这不是一部主旋律,也不是一部反战片,这就是一个男孩的成长,在人生的一个节点,学会主动的做出自己的选择,走自己的路。对于战争的看法,片子每个人都有自己的看法,终究不是士兵们眼里的战争,士兵们的战争,只有上过战场的他们才会懂。
看到中间差点悲愤得夺门而出。有人为了6000刀的补贴赌上性命奔赴沙场,有人随便花几万刀就为了抢一场球赛的前排座位。军人在战场每日面对生死和炸弹,而你所保卫的国家的人,他们只关心你们是不是搞同性恋。
120帧+4K+3D,摄影机每秒都很诚实,1秒120次。剧情和技术是交互的,拍法有代入,主观镜头和碎碎念不像电影,更像一种生活体验。两个空间的平行剪辑,混淆了战场与生活,大众看到的战争不过是被媒体“包装”出来的,唯有士兵自己才知道战争的真正意义。相比中场,战场似乎更安全,很讽刺。
和想象中的不一样,一种慢慢浸透的真实感,在战争戏和Half time show这种需要现场感的场景非常有效。李安说自己抛砖引玉,每次看李安的电影都是种享受,不论从拍摄方面还是人生方面都会学到很多。能看这种导演的电影实在是荣幸
4K 120帧 RealD3D 将观众瞬间拉近电影里 开启电影的新纪元 字符子弹烟花全都飞出屏幕 浮现在眼前 这不是关于战争的电影 更是一个男孩在地球另一侧的成长 短暂的中场休息 却让他意识到更为远大的人生和目标 这才是其真正的含义吧
都嗷嗷什么鬼120帧啊,有几个真的在看电影啊,为毛没人说这个电影就是没什么故事,或者说讲了个特别土的故事,从事件人物到价值观都土,李安以往最会的那种,在有限的电影空间里传达无限暧昧可能性的神手笔几乎没用上。四星给稳定的制作水平和眼珠子美得想攒在手里偷走的鲜肉男主
时间会证明这是电影史的一座里程碑。
2.5。安叔也有能力拍奥运开幕式。像第一次看真人秀像家里大人带着第一次去逛大中电器的液晶电视区。高帧率的愿望也许是身临其境却依然用浅景深拍摄。清晰的前景与虚化的背景让高清画面显得更假。技术更新了新的电影语言也应该配套升级。探索可敬余勇可贾。
这部电影让我想在结束前冲出影院大哭一场,很久没看到这么沉重的电影了。那场show里的真命天女组合从头到尾都是背影,主角站在大屏幕前,头脑里浮现出伊拉克的战争画面,而此时此刻,周围是明星、焰火、欢呼的美国人,那一刻,我真想大哭一场。李安把人更深的孤独(想不出更好的词)拍得那么好!
3D电影的未来一定是高帧数的天下。这部电影就算没打开未来的大门,也指出了明确的方向。
我晕帧
很多人说李安是用东方人的情感,表达西方人的故事;用西方人的技术,拍东方人的哲学。其实在人性深处,哪有什么东方西方,我们的焦虑,我们的恐惧,我们的困惑,我们的愤怒,以及我们的爱,都是一样的。痛苦是个人的,痛苦也是全人类的。
李安要说的一直以来都是选择!高伟同选择顺从父母,还是举行了喜宴;王佳芝选择还是放走了易先生;比利·林恩选择依旧回到伊拉克……其实李安一直想说的是人生的别无选择啊!我想,没有比天秤座更知道选择的重要,和选择的痛苦,以及选择的无奈了。#可能因为我不是技术控,120帧不影响我的观感。#