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1 ) [Film Review] The Ladies of the Bois de Boulogne (1945) 7.6/10
Bresson’s second feature film, the plot is as simple as this: a woman takes revenge to her ex-lover by coaxing him into marry a young girl with an ill reputation, but the movie emanates a classical elegance through a meager four-player game.
A young socialite Hélene (Casarès), sensing that the romance between her and her lover Jean (Bernard) has plateaued out, weasels her way into the latter’s blithe confession by feigning that she wants to take a step back from their liaison, a cunning move to elicit the truth without staging a scene, in fact, she completely gains Jean’s trust and admiration by her ostensible munificence and sensibility, little does he know, the tidings is a hammer blow to her.
The best cure to overcome a broken heart is to retaliate, so Hélene plumps for a limber and comelycabaret dancer Agnès (Labourdette) as her bait to inveigle Jean into the trap, while keeping both oblivious of her true motive and the nexus is to keep a lid on Agnès’ demimonde background from Jean until the wedding day. The whole plot is trenchantly actualized by a concatenation of conversations between various parties, playing up verbal interaction as an engaging fencing contest. Bresson lays bare its psychological signification through his able players (his last film cast by professionals). An inscrutable Maria Casarès oozes a stunning sophistication well beyond her age, every line she delivers can be savored with connotations ranging from manipulation to circumspectly veiled threats (dialogue is supervised by none other than Jean Cocteau), she revels in subtle moderations of her countenance and never lets up into theatricality.
Elina Labourdette’s Agnès, by comparison, guilelessly wears her hearts on her sleeve and makes heavy weather of her resistance from Jean which belies her abject capitulation in the first place, there is no reason for a young girl balks at a suave suitor like Jean if not for her ignoble past, andPaul Bernard gaily epitomizes a man’s naiveté and predictability despite the fact that it is after all, him who has the say-so in the fallout, not these two polarized lollapaloozas from the opposite sex, orLucienne Bogaert’s Madame D., Agnès’ careworn mother. Amicrocosm of our patriarchal hierarchy is under Bresson’s sober scrutiny here.
The ending is tinged with romanticism (through the illumining light on Agnès’ impeccable visage), resuscitated by love over prejudice, the pair might indeed obtain true happiness after the event, the film sends a liberal-minded message and bears testimony of Bresson’s aptitude of grappling with something ablaze with connivance, melancholy and lachrymosity, a rather disparate frontage, but not entirely less crafted, in juxtaposition with his more distinguished and groundbreaking masterworks.
referential points: Bresson’s L’ARGENT (1983, 7.2/10), THE DEVIL, PROBABLY (1977, 7.0/10).
2 ) 人是什么？人是目的，而非手段。
阿瑟王被抓走了。
恶魔对骑士说：你要回答我的问题，就是女人最想要的是什么？如果你能答对，就能救出阿瑟王。
只有森林的女巫知道办法。骑士找到女巫，发现她是一个长相丑陋的女人。女巫就说：我可以告诉你方法，但是你要娶我。忠诚的骑士为了救阿瑟王，答应了女巫。然后她就告诉他：女人最想要的是，自己能够决定自己的命。
阿瑟王被救出来了。骑士遵守承诺，娶了女巫。
等到婚礼那天的晚上，骑士发现新娘是一个非常美丽的女人。女巫对骑士说：我受了诅咒，要么选择晚上和我一起的时候是这个样子，白天恢复原来的样子。要么选择白天和他人一起的时候是这个样子，晚上是那个样子。骑士就说，你不是说女人最想要的是自己能够决定自己的命吗？那么，我把选择权留给你。当骑士说出这句话时，诅咒解除了。
可怜的男人，永远不知道女人想要什么。以至于他们每次错，都是一错再错。
真没想到，优雅的布列松也曾经「烂俗」过。但大雅即大俗，小雅不佩服。在我看来，他这部彰显古典主义美学的早期作品是一部真正具有道德力量的艺术杰作。要知道，这些「烂俗」情节正是《温柔女子》所不屑以及试图颠覆和超越的。这也说明，布列松风格直到遇见陀氏才真正「现代」起来——他已经不再叫《布劳涅森林的女人们》去傻傻地报复男人了，而是让她们走出舒适的牢笼去追寻危险的自我。正如本片中女人们的形象：既像天真的白雪公主，又如恶毒的黑袍女巫。
人是什么？人是目的，而非手段。
布列松对于这段俗气的三角关系里显而易见的阶级性看似漠不关心，实则这瓶极易被人忽视的毒药正是他的杀手锏。观众和剧中的男女一样，都糊里糊涂，误以为那个负心汉势必会栽在这个被嫉妒心驱使的女人手里。但当真相揭晓时，我们也和剧中的男女一样，错愕又无可奈何。男人看似是被女人算计，实则是被不可逾越的阶级性以及权力不对等的两性关系裹挟。这时，一个被爱情占据的女人和一个被爱情羞辱的男人都还在为他们婚姻里貌合神离以及将死的爱情假装努力与坚持。
可怜的女人，永远不知道自己想要什么。以至于她们每次错，都是错上加错。
3 ) 布列松访谈//内在性在引路
1946年11月12日，《法国银幕》第72期 L’Écran français, No. 72
让•科瓦勒（Jean Queval）：一部影片是由什么构成的？
布列松：一部影片是由许多不相干的元素构成的；它拥有如此丰沛的资源，如此大量的成分与组合，以致这会引致地狱一般的混乱。所幸的是，你在某个时刻会找到与其相对的、可以称之为“内在的必要性”的东西，它是统领一切的，却又并不外露它自身的缘由。我们遵从于它，因为它是属于我们的，也因为它是我们唯一的出路。要向别人解释它是不可能的。
———— ————
罗伯特•布列松是一股不得安宁的坚韧精神的牺牲品。在我采访他的整段时间里，能感到他的思考比他的肉身在场更显眼。他以无限善良的心志、无限善良的优雅来回答我的问题。但当我一离开，他就马上思考起要拍摄的剧本、所设想的表演、我引起的分神。
———— ————
布列松：内在性在引路。我知道这说法在一门纯然外在的艺术形式来说似乎是自相矛盾的。但我看过一些里面每个人都四处飞跑，但实则进展很慢的影片。而另有一些，则是角色们几乎岿然不动，而进展则很迅猛的影片。我由此发现，画面的节奏并无法完全矫正内在的缓慢。给予一部影片进展——其真正的进展——的，是发生在角色们内在的打结与解结。我通过一些东西，或者说通过组合一些东西，并且不仅限于对白，所尝试展现的正是这种进展。
科勒瓦：这么说，你是认为对白在电影里面的重要性是次要的？
布列松：声音比其他任何东西都更有能力在电影中制造沉默。我认为解释性的对白很强大、方便，但理想情况该是让对白配合角色，好比一个铃铛配合一匹马、嗡嗡声之于一只蜜蜂。
科勒瓦：就算在将对白作为音乐元素考虑的情况下，你也认为它应该被简朴、谨慎对待？
布列松：这是个品味问题。我喜欢平淡的事物——我被这种品质吸引。
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然后罗伯特•布列松半开玩笑半严肃地补充道：“‘每一个闲词都是要算数的，’《圣经》说。”*
———— ————
科勒瓦：你是否认为电影能在微妙性上与小说比肩？
布列松：当然。甚至可以超过小说。它的手段更丰富。但是我们还等什么呢？我们是可以更早实现那一步的……一部电影的构成完全在于关系。你所说的微妙性必须被安排进关系之中：演员与演员之间的关系，演员与他们周围的物件与场景之间的关系，情节与图像节奏之间的关系，等等。
———— ————
然后我问及由大卫•里恩（David Lean）与诺埃尔•考沃德（Noel Coward）创作的《相见恨晚》（Brief Encounter）（1945），我跟他一起在伦敦看过。
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布列松：是一部让人钦佩的影片，至少其中有一半是让人钦佩的——角色们的面孔简单明了地迎向观众、揭示内心的秘密的那一半。在电影界存在一种抗拒简约性的偏见。每当我们反此偏见而行之时，其效果都是令人震惊的。
科勒瓦：你还看过什么让你感兴趣的新片吗？
布列松：《东京上空三十秒》（Thirty Seconds over Tokyo）。空袭轰炸一场因其对传统做法的反转而极具原创性。看着角色一动不动，而背景突然运动起来是很有吸引力的。
科勒瓦：你对彩色有什么看法？
布列松：彩色的问题并非一个属于彩色的问题，而是截然不同的另一回事。彩色本身是好是坏是不重要的，我们总有可能把一件糟糕的工具的优秀部分发挥出来，前提条件是你清楚它是糟糕的。正是这一点将好的工匠与坏的区分开来：好工匠懂得如何选取工具。所以，不，彩色不是问题所在。问题在于，彩色的神奇品质，即其弥散的、分散注意力的品质，使它在正剧与悲剧中——暂时——无法得到有效应用。
注释：
法国银幕（L’Écran français）1943至1952年刊行的法国周刊。
让•科瓦勒（Jean Queval, 1913-1990）法国作家、记者、影评家、翻译家，是由说法语的作家和数学家组成的团体“潜在文学工场（Ouvroir de Littérature Potentielle），简称‘乌力波（Oulipo）’”的创始成员。
* 每一个闲词都是要算数的（Every idle word shall be counted）请参照《圣经》新约•马太福音12：36-37，“我又告诉你们，凡人所说的闲话，当审判的日子必要句句供出来。因为要凭你的话定你为义，也要凭你的话定你有罪。”
大卫•里恩（David Lean, 1908-1991）英格兰导演、编剧、制片人、剪辑。拍过多部史诗片，擅长震撼的画面与创新的剪辑，两次获得奥斯卡最佳导演奖。
诺埃尔•考沃德（Noel Coward, 1899-1973）英格兰剧作家、演员、导演、作曲家。凭与里恩合导的《与祖国同在》（In Which We Serve）（1942）（还担任编剧、作曲、主演）获1943年的奥斯卡荣誉奖。
相见恨晚（Brief Encounter）改编自考沃德的独幕剧《静止的生命》（Still Life）（1936），里恩执导。是1946年第一届戛纳电影节11部主竞赛单元作品之一，历来被认为是英国电影史上最佳作品之一。
东京上空三十秒（Thirty Seconds over Tokyo）（1944）美国影片，导演是茂文•李洛埃（Mervyn LeRoy）。获1945年奥斯卡最佳特效奖。
4 ) 让泪珠代言救赎吧。
1
很明显在描写疏离的电影，两人越走越远，虽然眼睛里含着丧尸的泪水。你会为它感到惋惜，却不会对他感到陌生。
“我把自由还给你！”——多么苍白可怕的字眼。女主角的双眸在暗光区中。
也让我们猛醒——我们只是自己的牢狱而已。
然后不久，女主角精心培植的第三者就出现了。那是复仇女神燃烧的烈火。是人性卑劣的证明。
这是一个分等级的魔鬼的世界。
尤其是天真的男主角最后遭到宣判的时候，他在汽车驾驶室里简直疯了。
似乎布列松永远是在表现疏离的。他不相信人的胜利，不相信亚瑟王会找到圣杯，他只相信人类会互相屠杀。
最后是阿格涅斯的眼泪拯救了我们。在上帝手中的天平，它与复仇女神的邪恶等重。
最后的一滴泪珠，等于一切。
2
真的很久没有电影的让我一夜不睡觉，更何况是看这样的一个老朋友。
他当然在表达很多宗教性的东西，如果不是为了追问人性善恶的问题，如果不是为了表现人类在极端变态的情况下显露出他们自己都不知道的人性，那我不知道这个电影拍出来还有什么意义。
如果你只得出了一个简单的结论——人类真可怕，那你还是没看懂这部电影。
所有电影技术，所有成熟时期的艺术手法，都在为柏列松想表达的思想服务。
在那个像约伯传里面那样强制性的，无理性的神意面前，也就是女主人公这个复仇女神的面前，难道人类仅仅表现出像男主人公那样的天真吗？
naive！
布列松坚持了古希腊戏剧的传统，是一种古典主义的再现。
5 ) 爱钱，爱女人，爱布列松
1983年，布列松带着他的《钱》，塔可夫斯基带着他的《乡愁》，一起去了戛纳。当所有人都纷纷揣测两位大师到底谁能登顶时，今村昌平用《楢山节考》摘下了金棕榈，两位大师共同分享了“最佳导演奖”，连评委会大奖都没够上。
于是那一年的戛纳，成为历史上最为人诟病的一届。自那之后，已经80多岁的布列松再也没能拍出新的电影，《钱》成了他的终作。
《钱》来自托尔斯泰的小说，讲述的是一个关于诚实与欺骗的故事：一个诚实的人活在一个处处都是欺骗的社会里（假钞其实是欺骗的物化形态），他的经历和他注定的结局。在对原著的改编上，布列松表现出了极大的节制，甚至大部分对白，他都原封不动的保留在了电影里。但这并不意味着布列松只是用胶片翻印了小说，恰恰相反，布列松用影像重建了事实，一个虚构的但却无比真实的“现实”。他用电影带领我们走进这个现实，我们是旁观者，窥视着所有人的一举一动，每个人都在欺骗，但我们却丝毫不觉惊讶，也不觉得愤怒，因为我们发现这就是我们生活着的世界，最后，我们加入，成为其中的一分子。
这就是布列松的才能，他总是能让我们在虚构的情节里发现最真实的存在。他不喜欢别人把他的电影称为“作品”，因为它不是“作出来的产品”，而是“通向真理的阶梯”。
【女人】
从一种抽象的角度来看，《钱》的主角其实是一张500元的假钞，而《布劳涅森林的女人们》的主角就是“复仇”。海琳娜不是电影中的角色，而是复仇的化身，她的出场意味着复仇的开始，她的每一个动作、每一句对白都是复仇的存在，在复仇成功的那一刻，电影结束了，我们同时也认识到了女人仇恨的力量（太他娘的可怕了）。
《布劳涅森林的女人们》不是浓烈的布列松风格的电影，它甚至更像是一部让•考克多的作品。在电影里，海琳娜居然一直都是在笑着，这在布列松后来的电影中，该是一件多么不可原谅的事情。
然而《布劳涅森林的女人们》仍然是布列松建构自我风格的开始，固定机位和局部特写镜头开始被应用，极简主义的风格尽管不像《死囚越狱》和《钱》那样淋漓尽致，但仍在一些剪辑上得以体现。对于这种风格，让•考克多的评价值得倾听——这不是一部电影，而是电影的骨骼。
【狄德罗】
《布劳涅森林的女人们》的剧本，摘自狄德罗的小说《宿命论者雅克和他的主人》其中的一段。
狄德罗的小说，讲述了一对骑马旅行的主仆——雅克和他的女主人，他们在旅行途中彼此讲述自己的爱情故事。书的一开始就写到：
“他们是怎么碰见的？像所有的人一样，萍水相逢。
他们叫什么名字？这关你什么事？
他们是从哪里来的？从最近的地方来。
到什么地方去？难道我们知道我们去什么地方吗？”
这是狄德罗的诘问，也是布列松的诘问。布列松从不掩饰自己对宿命论的信仰，他的电影同狄德罗的小说在气质上有着惊人的一致——没有开始，不问结束，它们就这样发生了。
【考克多】
也许让•考克多不是最伟大的电影编剧，但让•考克多一定是电影编剧里最伟大的（能跟他分享这个荣誉的只有威廉•福克纳）。考克多是诗人、小说家、画家、雕塑家、舞台剧作家、电影编剧、导演……是一切艺术的合体。
在对待原著上，布列松是个顽固的保守主义者，也许世界上再也找不到像布列松这样坚持忠实原著的导演了，他甚至乐于将原著的每一句对白都一字不差的保留在电影里。但这次，布列松决定邀请考克多改写《布劳涅森林的女人们》的对白。于是在电影里，我们就听到了狄德罗和考克多跨越时间的共同创作：“我爱金子，它就像你，温暖、冷漠、明亮、黑暗、不会变质……”“我可能只有片刻时间告诉你一些很重要的事，但我们有能力把这片刻变成永恒，一辈子都在一起……”
在狄德罗的原著中，女主人讲完《布劳涅森林的女人们》的故事后，雅克的老师说：“我亲爱的主人，你的故事说的很好，但你在戏剧性艺术上还有很长的路要走。你必须学会简单，让她（指阿涅斯）以无辜者的形象出现，不要去管她的意愿，她母亲和波莱默夫人的意愿，让我们看见她身上遭遇了最残酷的事情……”
在改编剧本时，考克多把雅克老师的观点加入其中，于是《布劳涅森林的女人们》成为了电影史上最忠于原著又不忠于原著的电影——因为让•考克多按照原著改写了原著。
【布列松】
布列松曾把电影分成两类：布列松的电影艺术（Cinematography），和其它人的电影（Cinema）。
没有人觉得布列松是在妄自尊大，因为在对“艺术”和“真理”的探索上，没有人能像布列松那样认真和执着。连一向极少评价他人的塔可夫斯基都坦承：“如果在导演里布列松排在第一位，那么后面的导演最多只能排在第九或第十位。这差距实在令人沮丧。”
布列松是有史以来最剽悍的制片人杀手，他的电影除了一部《死囚越狱》赚了钱，其它全部让制片人赔了个底朝天，《布劳涅森林的女人们》更是让制片人拉乌•布洛甘用了七年时间才还清债务。
布列松最有名的一句话，是“电影是内在的运动”。然而他却用最外在的形式来表现这种“内在”。布列松深入人的灵魂，但在他的电影里，我们却找不到任何心理学的痕迹，没有任何用以表达人的感情的“多余的动作”，我们看到的，只是对事实和客观的描写——一种极简的、直接的、纯粹的、细腻的、无微不至的描写：挖洞时，我们看到的就是那只挖洞的手；开车时，我们看到的就是那只踩油门的脚；杀人时，我们看到的就是那只高举起的斧头……接下来的镜头是：一个台灯从桌上摔落，一把斧头被扔进河里，短短数秒钟之内，一次完整的杀人弃凶就宣告完成——这就是布列松的电影语言。他的电影通常只有80分钟左右，但远远超越了其它电影3个小时所能承载的内容。
也许正是意识到了《布劳涅森林的女人们》在表演上的“缺陷”，从《乡村牧师日记》开始，布列松扯断了职业演员的电话线，他认为职业演员都是“滑稽的表演机器”，是“暴露癖”，他采用非职业演员进行演出，因为他们没有职业演员的惯习，以及“虚假的自发性”，并且“完全没有艺术”——而这正是布列松想要的。他称他们为“模特”（Model）。
没有人会否认，参演一部布列松的电影是异常痛苦的经历。为了将演员从戏剧感中抽离出来，不让他们“表演”，布列松每个镜头都要拍数十次，他用无休止的拍摄令演员们筋疲力尽，以此催眠他们，从而彻底杀死他们的表情和意愿。
于是我们看到了电影史上最具风格化的影像：《穆谢特》中，她被强奸，她面无表情；《死囚越狱》中，他即将越狱，他面无表情；《乡村牧师日记》中，他被病痛折磨而将死去，他面无表情；《武士兰士诺》中，她对他说：“我爱你，我把一切都献给了你，而你却舍弃了我。”说话时她面无表情。海琳娜的笑之后，布列松电影中唯一的表情存在于《巴尔塔扎尔的遭遇》中，那是驴子巴尔塔扎尔的表情，因为布列松没有找到控制驴子表情的办法。
布列松的电影里，每个演员都不再是表演者，而是一个道具，一个朗读台词的复读机。布列松的摄影机像雨刮器一样，毫不留情的冲刷了他们如浮尘般的的喜悦、痛苦、紧张、悲伤和绝望，剥离了演员作为人的表象，留下的只有本质——这就是冷漠。
对此，特吕弗有着更为生动的描述：“演员在布列松作品中的表现，超越了简单的对错之分。他们的表演，暗示了一种永恒、一种姿态、一种生存之艰难、一种承受痛苦的品质。布列松是一位逆转的炼金师：他在银幕上筛出金子，为的是把沙子收集起来。”
是的，正是布列松的那些纯净无比的沙子，帮我们洗去了眼睛里的尘埃，让我们重新认识了电影的美好。
6 ) 无往不在命运的枷锁之中
我爸曾经给我讲过一个故事。
很久很久以前，有一个村庄，村庄里有一位老人，行善积德无数，被大家称作张善人。
有一天他做了一个梦，梦中有位神仙对他说，村中即将发洪水，看在他平日乐善好施，特意提醒赶快收拾细软离开这里。
他问，什么时候。
神仙说，村头石狮子眼睛红了的时候。
那之后，张善人每天清晨都去一趟村头。村头有家小茶铺，店里有个小二，看到他每天来这里看石狮子，忍不住好奇问他。张善人便将梦中神仙所说全部告诉了他。
小二觉得有趣，当晚偷偷拿朱砂涂红了石狮子眼睛。
第二天清晨，张善人照例来村头，看到了红着眼睛的石狮子。
他开始挨家挨户通知，村中即将发洪水，让大家赶快离开。
店小二一看不对头，连忙和张善人说这是他涂上去的。
张善人并不理他，依旧继续，直到告诉最后一家。
最后一家是一个粥店，夫妻两已经开了十几年，张善人一来通知，店里的人都连忙回家收拾东西。夫妻两就想，要不他们也走。
他们环顾一周，店里真没什么值钱的东西，只有那个水缸，已经不知道传了几代，神奇的是，水缸里的水从来都舀不完。一合计，他两打算带点盘缠细软，还有这个水缸走。
等他们收拾好东西，村里的人也已经走的七七八八，天色近晚，他们开始搬这个水缸。
水缸很重，两人费了吃奶的劲，终于抬了起来。
就在抬起来的一瞬间，水流从缸原本在的地方喷涌而出，迅速冲破了老旧的地面和砖墙，水势越来越大。到日落之时，整个村庄都被洪水淹没。
第二天太阳升起的时候，石狮子眼睛上的朱砂已经掉了色，村中一片寂寥，只剩水中浮木与墙灰。
谁能操纵命运呢，大家都是棋子而已。
布列松在本片中只开发出了简洁，而尚未找到属于他的语言“布列松式的特写”。本片基本还是属于法国“优质电影”传统之中的作品，文学改编，对白讲究（谷克多写的对白真是绕啊），影像精致。布列松的严谨简朴和雷诺阿的漫不经心都是超越优质电影局限的途径。
很多诚实的女孩都变成了不诚实的女人，也许我会证实反之也一样成立。我不值得你靠近我，请耐心等待，请留给我一点希望，然后你可以评判我的所作所为，如果你能忍受我的存在我会非常开心，在你家里给我留一角栖息之地 ，我会毫无怨言的呆在那儿，我并不邪恶，而且我爱你，那是唯一的借口。
女人，爱情和复仇，所以特吕弗喜欢
7.5；多麼討喜的猶猶豫豫的攝影機
http://www.tudou.com/programs/view/QdiWS7HHnJU/
精致的法國傳統電影，但需要由Bresson來完成嗎？
或许是之前一场盲人影院体验项目太过投入，接下来的尤伦斯，我被人生中第二次看的布列松彻底催眠了，成为观影历史上睡得最长的一次，还好这完全不影响对剧情和人物的认知，于是也相信即便是清醒状态下布列松这部立足经典叙事的早期作品。
#1944#第一句献给CC。可称为布列松早期的集大成，较前作垮了几个台阶。风格远未形成，却承古典而来，精妙考究的台词、简洁的叙事，表演用光、幕起幕落十足的舞台范，对男女情爱的熟谙一点不亚于侯麦（谷克多的功劳？）。一部让人享受的电影，迫不及待地想再重放一边，看看布列松是如何处理得这般美妙。
Cocteau的痕迹要比Bresson更重
#重看#局部特写镜头拉至中景，横移，转向，跟拍，一个镜头内的信息量颇大，初具气象；忠于原著式的台词让这个三角故事减去几分流俗，多了几分人心普世化的意蕴；不管爱或不爱，无法容忍背弃的、被践踏的自尊，越是骄傲的女人，复仇的气焰越强大；结尾数次倒车用得好，亮点。
7。女人复仇记，和后来的片还是有很大不同的
Love is not exist. Only the proof of love is exist. Revenge can never be a success. It is already so that you are a failure.
转型前作品，文学色彩较浓
①永远不要低估一个女人的复仇之心；②抵御这种复仇恐怕也只能假戏真做，但是如果真的孕育出真情，爱还是大于仇恨；③能够为爱而死的女人恐怕要神圣于复仇者；④尽管伊始像一出伦理警示剧，最后却变成了正统的悲剧，布列松在本作中更像一个直男癌。
“正常”一点的布列松。
玛丽亚·卡萨瑞斯的表演真是叹为观止,非常出彩！在壁炉前试探让的那段印象很深！
还不太具有Bresson的风范，前半比后半拍得好。
布列松的第一缕光，阴暗的嫉妒，被利用的爱情，送不出的信，说不出口的真相。“命运是可悲的，但我宁愿自己选择，也不想别人强加于我”，但是艾格尼斯却无法选择。布列松的镜头干净而且高傲，但是余韵简直可以用太多语言来描述。
3.5
（上一刷没评星：海莲娜总是穿黑的，让人生畏。）加一刷：结尾在技巧上跟《罪恶天使》很像，而且布列松好像只有这两部片用了少量摇臂镜头。这个故事改编自狄德罗。但真心不好看，乏味，没有导演往后作品的纯粹感。同期声还是挺难得的。另外，照明很难看，时代局限吧。