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1 ) 当卓别林成为卓别林时
电影的故事第13篇
寻子遇仙记
The Kid(1921)
查理·卓别林
从《北方的纳努克》中冰凉的世界走出来时，盛夏就来了，电影内外温差真大啊，在电影中体会到勇气与酷爽的我们，回到现实中，终还是要在烈日下被晒蔫儿。
电影就是这样，它为我们打开一个窗口，有时候你透过它的幻梦世界，在电影中得到感动与满足后，转身离开电影时，就发现现实世界是一个亏损的世界。用德勒兹在《时间-影像》里的话说，这是因为观众变成了“明眼人”。这可不是在夸奖观众，他后面的话是：人在影像里发现了世界中难以忍受的东西，人与世界的关系（就）断裂了。
德勒兹的话实际上是在针对好莱坞商业电影，他认为电影是一种精神自动装置，它既可以激发思维，也可以抑制思维。而好莱坞商业电影常常通过抑制观众思维使其失去“主体身份”，从而控制观众。卡曾斯在《电影的故事》里为这类电影创造了一个不短的词组叫“封闭性的浪漫现实主义”。
当我们开始真正谈论好莱坞电影时，不是要谈论那些大多数滥情的、逃避现实的，虚假浪漫的好莱坞电影。而是要谈论这个严格控制的商业流水线上，为数不多的因为拥有着创作自由，还善于运用好莱坞专业技术的导演，拍摄的那些不落俗套的电影。
20世纪20年代，在好莱坞体制内还享有这种自主性的是几位喜剧片导演，这其中最知名的无疑就是查理·卓别林。卓别林可能不光只是喜剧电影最知名的演员、导演，在整个电影史上，他应该都是最知名、最受观众喜爱的那位。
这一切都开始于1921年他执导并出演的《寻子遇仙记》，尽管那之前他就已经是全美最出名的演员了。《寻子遇仙记》是卓别林第一部真正的如这部电影开始的字幕所言：“一个可以报之微笑，可能也会让人洒下泪水的故事”。而这个故事包含着比他过往的短片作品里，更确定无疑的同情心、人道主义与近乎永恒的善意。
这个五十多分钟的故事异常简单：卓别林饰演的流浪汉捡到被遗弃的婴孩，将他抚养到5岁左右后被政府机构强行移送到孤儿院，流浪汉为了领回孩子拼尽自己全力。
光看剧情简介，是体会不了卓别林的喜剧天赋的。一个以贫穷、苦难为基调的故事上要闪烁出幸福之光，要在伤感和喜悦间取得真实、自然的平衡当然得益于卓别林精巧的构思、表演。背后支撑的却是导演的贫穷经历，就像特吕弗说：世界上拍穷人的导演很多，但真正挨过饿的只有卓别林。
所以当我们看到电影里，卓别林在狭小的房间里穷人自有穷办法，为婴孩和家庭付出的一切劳作：制作的水壶奶嘴装置、旧毛毯改制成的睡袍、把木凳坐板掏空一部分变身坐便器。这些场景里有诙谐的幽默，有辛酸、伤感，却也有爱与暖阳。
而父子俩居住的这个狭小、破败的房屋，据说都是按照卓别林小时候在伦敦居住的房间设计的。他也总有本事让我们体谅电影中极尽小聪明的作恶：用硬币倒弄瓦斯计费表来偷气，父子齐上阵，儿子故意去打碎别人家玻璃，父亲随后赶到收费补窗户。这些场景又气又好笑，是因为细节里蕴含着真实的苦难，而真实里却也总有荒谬与幽默。
今天我们实在是太过熟悉卓别林那身不合身的装扮以及走路的姿态了，后世无数的山寨卓别林都试图去模仿他，却永远不及他融于故事里的天才与技巧。但天赋也都是从模仿起步，然后才开始展露的。如果你去找卓别林早期的短片，一部部的看过来，你就会再一次认同贡布里希在《艺术的故事》里那个经典的“范式加转化”模式。
卓别林学习的对象是世界喜剧的拓荒者，百代公司（还是百代，有些后悔这个计划没选入百代的早期影片）的喜剧明星麦克斯·林戴。在麦克·塞纳特的基石公司（Keystone）的初期，卓别林在电影中的形象几乎完全是从林戴那学来的。他的形象也在不停的试验和调整中，直到在《威尼斯儿童赛车》中才得以固定下来：头顶圆帽、手持手杖，一身破旧松垮的的衣服，脚踩一双过大的鞋子。
美国作家、电影评论家瓦尔特·克尔对此有一个特别精妙的总结：“卓别林经过一番尝试后，他发现一种通过‘外在’来呈现‘内在’的表演方法。他全身的装扮，既像是一个身无分文的流浪汉，又像是一个高雅的绅士。而卓别林就是通过优雅迷人的演技，充分发挥这种暧昧的双重特质”。
服装来源于对林戴的改进，表演则是要经过在基石的反复锤炼。卓别林在塞纳特麾下完成了萨杜尔所称的“必需的即兴喜剧的教育”。卡曾斯进一步描述到塞纳特对其的影响：在一个深具感染性的、神经质的、极速变化的新世界中……他摆动拐杖的身姿，挖耳凝思的神情，都是从基石的混沌的表面中蜕化出来的深沉表现。
当卓别林完成学习，离开基石的时候，事实上他已经不光一技傍身，他还是全美最能吸金的明星，1915年时每周就能进账1万美金，一年后则涨到100万美元的片酬。1919年他和碧克馥、范朋克、格里菲斯三位同样赫赫大名的电影人物一起共同成立了联美电影公司，此时他短片拍摄速度开始慢下来，在诞生了《狗的生活》、《从军记》、《田园牧歌》等短片杰作后，卓别林要在更大篇幅时长中重现他的流浪汉的“光荣与梦想”了。
电影史上在这之前，难言有比《寻子遇仙记》更打动人心的喜剧电影了。当卓别林拥有更充分的资源，极大的创作自由度的时候，他仍没离开制作这样平民的，有关于在困苦中抗争的喜剧故事，而这仿佛是一个坚定、确信的卓别林成为卓别林的时刻。
当我们在电影中看到一对朝夕共处的父子被行政手段强制剥离开，卓别林拼尽全力在城市的屋顶间跨越，追逐那俩运送他孩子的车辆，同时可以说是运送我们的焦灼与期待的车辆。卓别林像个英雄一样的身手，达成了一时的营救，却在一个巨大得多的世界面前终究显露出无力感。这个时刻如同疲惫的他回到家门口，靠着房门睡去的梦中短暂的欢愉后，被天堂驱逐的瞬间。这是泪流满面的时刻，是欢喜时光后的黑暗时刻，一个命中心灵深处的时刻。
而这个时刻既包含所有过往卓别林的元素，那暧昧多义的装扮，令人忍俊不禁却也时常包含着尴尬的神态、迷人的优雅的同时也是灵活的姿态和身手。但也正是因为前述提到的新加入的那些更深刻的体察与情感，才让我们可以借用保罗·奥斯特的词句“灵魂的芭蕾舞”来形容卓别林在《寻子遇仙记》里的伟大表演。
我在写这篇文章前，因为看了一遍不过瘾，又马上重看了一遍，加上过往的观看经历，事实上一共看过很多遍《寻子遇仙记》。但观影的乐趣并没有因为提早知道剧情的演进而有所折损，因为电影里的快乐是方便的，这既是因为卓别林的每个笑点都是精心思考、反复试验的结果，他的原则是让每个观众都能理解。同样也是因为这是基于现实的提炼，快乐依附于某种真实，而快乐的背面是真正的伤感，这让我们既珍惜又格外珍视这种快乐。
所以我称《寻子遇仙记》是卓别林成为“卓别林”的时刻，它标志卓别林开始成为最好的“自己”。看完电影，翻看手边常备的安德烈·巴赞的书籍，巴赞对卓别林电影的赞美，拥有无比动人的诠释。我将它作为结尾，抄录如下：
“一个能够说明问题的现象是，卓别林最好的影片可以无限次反复观看，而且乐趣有增无减。或许可以说，某些噱头带来的满足感如此之深，以至于源源不竭，但这尤其是因为，片中的喜剧形式和美学价值本质上与惊奇感无关。惊奇感在第一次观看后便会消失殆尽，取而代之的是一种细腻得多的乐趣：对一种完美的等待以及重逢”。
是的，重逢。因为我们在下一篇卓别林的学徒哈罗德·劳埃德的电影里一定会再次提到成为“卓别林”的卓别林。
第3节电影风格的世界扩张（1918-1928）
1卡里加里博士的小屋Das Cabinet des Dr. Caligari(1920)，罗伯特·维内
2北方的纳努克 Nanook of the North(1922)，罗伯特·弗拉哈迪
3寻子遇仙记The Kid(1921)，查理·卓别林
4安全至下Safety Last!(1923)，弗雷德·C·纽梅耶/山姆·泰勒
5福尔摩斯二世Sherlock Jr.(1924)，巴斯特·基顿
6铁路的白蔷薇La roue(1923)，阿贝尔·冈斯
7贪婪Greed(1924)，埃里克·冯·施特罗海姆
8战舰波将金号Броненосец Потёмкин(1925)，谢尔盖·爱森斯坦
9大都会Metropolis(1927)，弗里茨·朗
10日出Sunrise(1927)，F·W·茂瑙
11群众The Crowd(1928)，金·维多
12圣女贞德蒙难记La passion de Jeanne d'Arc(1928)，卡尔·德莱叶
13兵工厂Арсенал(1929)，亚历山大·杜辅仁科
董肥楽影像观 · 微信号：dong·movie
2 ) 哑剧靠什么取胜？
一次影史的短暂回望
1. 这是卓别林第一次尝试的无声长片。在他之前更早期的电影是作为一种记录工具而存在的。在电影这项人类伟大的发明诞生之初，它被用来大规模地传布戏剧艺术。相较于传统室内舞台表演，电影的优势非常明显：它能囊括一些真实舞台剧里不可能出现的场面，例如自然。这使得“拍下来的舞台剧”有了另一番广阔的表现天地和巨大的观众市场。很快，在这新的屏幕世界里又出现了前所未有的新角色——儿童和动物，都讨人喜欢且能引人发笑。所以，电影史上元老级别的明星有：百代公司的海豹，阿尔萨斯的名狗，以及本片的天才小演员Jackie Coogan.
2. 哑剧电影由于技术所限舍弃了台词，或者仅在必要处给出无声的提示来推动情节。想要博观众一笑，必须依靠诙谐直白的人物表情、夸张的动作设计和巧妙的场景布置。尤其是动作这一块，必须有力、粗放。因为当时没有特写镜头，表现不出细致的情感。所以默片时代的哭一定是用力地嚎啕，不可能是昏暗房间的角落里坐在椅子上的女主眼角里慢慢流出一滴寂寞的眼泪。
3. 粗线条的动作设计，给当时的电影带来了一种新艺术形式，即“打闹喜剧”（slapstick comedy）。这种喜剧形式在电影还处于襁褓时期就已经诞生了。原因是当时电影的镜头和舞台剧的场面是一样的，都是全景，演员们必须使用夸张的手势好让坐在远处的观众也能看得清。今天如果喜剧演员们这么表演一定会被讥笑用力太过，但在当时，初期电影的种种缺点（如：无声）却由于哑剧表演的滑稽而成为一种喜剧风格。这种风格贯穿在卓别林的整个电影时期，尤其是早期的电影（如本片），颇能见到“打闹喜剧”的影子。打，就要跳起来打。被打，也有必要原地爱的魔力转圈圈。看上去很像在看一部动画默片。笑点也由此产生。
4. 早期电影不设置复杂的剧情，有时甚至为了炫技，而会画蛇添足地刻意添加一些与情节无关的桥段。如本片末尾的梦境，加入了“吊威亚飞行”，“人物突然消失”之类的设计，让当时的观众眼前一亮，大大发掘了电影的想象力和可能性，不禁让人想起早期的“电影魔术师”乔治·梅里爱。
3 ) 如此敏锐的话题在100年前就被卓别林琢磨透了！
《寻子遇仙记》是查理卓别林早期的作品，但是题材的现实程度丝毫不过时，在那个还是默片的时代，卓别林运用巧妙的电影技巧，把领养儿童的状况以及会遇到的一些现实问题明明白白的告诉观众，其实也从侧面向当时的英国政府提出了相当现实的社会问题，从这一方面来说，卓别林更加无愧于伟大！
电影中的缩放镜头，以及最后天使出现时的飞翔的镜头都大大出乎意料，在那个还是电影的石器时代，卓别林也开创了很多引领时代的电影拍摄手法，而他独有的幽默细胞依旧被现在的喜剧电影争相模仿，卓氏经典动作依然被无数次致敬，电影这门艺术的发展离不开卓别林，离不开那个电影蛮荒时代坚持不懈努力的电影导演和演员们！
无愧于伟大…
4 ) 《寻子遇仙记（The Kid）》：穷比快乐着（IMDB250 TOP 159）
http://qfmeng.blogbus.com/logs/153816333.html
The Kid (1921)
继续打破我的观影记录，刷新看过电影的年代之最，这是最早的一部，本片上映于1921，距今整整90年。多余的话不多说了，Charlie Chaplin就是一个天才的电影大师。
电影的时长非常短，故事也比较简单。影片以一个主线故事为主，用很多小故事串联起整个影片，主线故事讲述孩子被抛弃、成长以及母子团聚的故事。一个母亲逼于无奈抛弃了自己的孩子，她的孩子被一个流浪汉发现。流浪汉看到随婴儿携带的纸条后，才知道这是一个弃婴，于是他好心的收养起这个孩子。五年之后，孩子长大了，弃婴的母亲则成为了知名演员，偶然机会发现了自己的孩子，通过悬赏，母子终于团聚。电影的支线则很琐碎，讲述孩子与流浪汉工作、生病、逃脱政府的抓捕等等这些小故事。换句话说，这部电影的故事是由很多个小片段汇聚而成的。
这部电影的时间虽短，但是通过很多个小故事，使电影始终围绕着影片的主题——穷并快乐着展开。全片都是在描绘这两方面。穷这一方面通过画面就可以看出，流浪汉的家居摆设，吃的食物，穿的衣服，都是相当的简陋，完全可以用寒酸两个字来形容。尤其是他们两个人吃的东西，粘粘糊糊的，看着相当恶心，不知道他们吃的是什么。快乐的一方面则有很多，比如他们的工作——小孩砸玻璃，流浪汉安装玻璃，还有与街头的小混混打架、与警察老婆调情，等等。这些情节无一不是在告诉我们，即使他们的生活很窘迫，但是他们穷并快乐着！
电影的众多小故事也加深了对人物的塑造，刻画了人物之间的感情。那段流浪汉与收容所人员的争斗就可见一斑，为了孩子他可以不顾一切的与他们拼命，即使拳打脚踢、爬上爬下、跳汽车也在所不惜。通过这些，我们可以了解到流浪汉不只是善良的人，更是有着一个坚韧、顽强的心，他这样的举动又与亲生父亲有何不同呢？
片尾的那段梦境则有着另一番意义，不过我理解力有限，只能理解到，这是流浪汉对于美好生活的向往或者是未来生活的一种暗示，暗示着他生活的改变。天使一段的场景加入了小风波：天使之城来了坏蛋，变得不太平，这又有什么意义呢？我是想不明白了，原来Charlie Chaplin的电影也很深奥。
既然是一部Charlie Chaplin的电影，那他电影里那些典型的特点自然都在，比如滑稽的动作、搞笑的场景、与剧情紧密结合的音乐等等，我就不多说了。总之，Charlie Chaplin总是可以用最自然的方式表现出一种非人为的滑稽，喜剧大师当之无愧。此外，作为一部1921年上映的电影，技术方面就相当简陋了，尤其是那段天使飞行的戏，假的可以。不过，电影好看的地方有很多，完全可以掩盖技术上的瑕疵。
本片的演员非常出色。Charlie Chaplin的表演就不用多说了，只是在本片里他年轻很多，毕竟这是他早期的电影。弃儿的扮演者Jackie Coogan的表演让人叹为观止，7岁的年纪就可以将一部默片的表演做到出神入化，实在让人赞叹。用语言来形容他的表演是苍白的，只用一个词足矣——天才！他与Charlie Chaplin完美的表演，才使得电影这样的完美！
总的来说，一部短小精悍的佳作。用不到60分钟的时间，讲述了一个完整的故事，有快乐、有欢笑，也有悲伤，再加上两个天才演员的完美表演，不成为经典都难。绝对值得一看。
序列：0485
TLF.IMDB.Top192.寻子遇仙记.The.Kid.1921.D5.MiniSD-TLF
2011-08-02
5 ) FIFF28丨DAY3《寻子遇仙记》：进入到一个残酷而真实的梦，究竟哪里才能收留这颗善良的心？
第28届法罗岛电影节第3个放映日为大家带来主竞赛单元的《寻子遇仙记》，下面请看场刊影评人的评价了！
果樹
后世所有祭出正太杀器卖萌的电影，在这部电影面前都得老实趴下。
大钊
卓别林早期代表作品，也是最简单纯粹的作品。主要角色越少，故事线越简单，形象就越突出，感情也就越真挚。喜剧和悲剧被他融为一体，卓别林用最喜感的形象传达出最悲悯的情感。
团团子
关怀与批判并存，卓别林的姿态有时如孩童般纯真，当他要面对社会中某些切实存在的不公的、残酷的现实的时候，定会对他产生怜悯。最后一段大概是看过的十几部卓别林电影里最喜爱的，进入到一个残酷而真实的梦，究竟哪里才能收留这颗善良的心？
Morning
卓别林式非常标准的滑稽动作喜剧，标准且真诚，好像可以成为节日的电影那样，有特殊的日子即可以享受它。人们观赏着卓别林繁复的手部动作，就是一种乐趣。夏尔洛的家具陈设做得很好，麻雀虽小，五脏俱全的感觉，比如门口那张小地毯，比如那张破烂的藤椅，后来还再利用了一次，既符合手工艺人的习惯，又让人相信他是养得活一个小baby的。电影成功的一点在于这个天才小演员，他本质上的表演能力非常强，煎饼做早餐一场戏，卓别林就躺在床上，两个人形成了无比完美的互动，回过头来看，卓别林那么的荒诞可爱，他的影片苦乐参半，不难发现，他早早的把自己的另一半投射了出来，就是这个小孩子，在他身上的聪明、温柔、敏感（瞧他看卓别林分煎饼那场戏的表情），所呈现的就是另一个卓别林。
消亡之人
卓别林惯于依仗自己的小个子左右闪躲，灵活反击。甚至很多时候默片的笑点正是基于此设计的。
但这次他将那个孩子护在身后。
wonderwall
经济大危机到来前的无产阶级讽刺小品。虽不如后期作品的辛辣，但美好真挚的情感也很难不让人动容。
娜娜的独家配方
小演员的演技很好！打架戏很精彩！
苍山古井空对月
比较觉得受触动的就是孤儿院的人来抓小孩然后卓别林与他们撕打那部分，其他部分就这样吧，卓别林跟壮汉街头的打架方式沿用到《城市之光》。小孩子打完一架突然就病了有些突兀。结尾小孩子找回了妈妈，他以后跟谁生活这个问题回避掉了。
#FIFF28#第3日的场刊将于稍后释出，请大家拭目以待了。
6 ) 笑中带泪
1.100年前美国的城市真发达。
有牢固的楼房，美丽的公园，整齐的马路，现代化的汽车，公用的煤气管道，自动着火的煤气灯，儿童感化院。
2.人物着装很用心。
虽然里面大多数都是普通人，但是人们的着装多以西装正装或礼服的样子出现，虽然说卓别林的样子是有那么点夸张，他高子也不高，但他的穿着还是很好看的，上身燕尾服，前面短，后面长，整本不长，裤子上面大，下身小，整体不长，基本上都不长，合身，还加上一个长帽子，可以让高子不高的他看起来还行，再加上一个四方的胡子和大头皮鞋，看起来可爱而让人印像深刻。
妇人，小偷，警察，市民，男性都是西装正装还加上帽子，女的也是正装，就看上去就给人感觉得挺好的，让人感觉得美好富足，相反小孩子的着装是有点破了，这就形成了对比，差别很大。
3.演出和技术
小孩子的表演让我印像深刻，特别聪明，可爱，懂事，能干
旁白的字体很有艺术性，打空和加速非正常的动作让电影很好笑
4.意义
故事除了好笑，意义也很大，笑中带泪，一个看起来不是那么穷的人放弃了自己的孩子，一个穷玻璃工却收养的他，生活得很好的二人，却又被所谓的感化院强行分开，穷人并不是老实善良100分，他们为了生活，也是做些坏事来营生，和公职人员的斗争说明人间的有些疾苦和事实，他们是不懂的。
笑中带泪
四星半。令人心碎的不是的生活，而是那些被夺走的爱。
而且好像不止一次。。。。地哭了。我最好的卓别林。
虽说笑中带泪，喜中含悲，可默片到底更适表喜，而不善释悲。因为电影（无论有声默片）中的笑声，通常是指观众的反应，角色自己并不发笑。悲却不然。苦戏几乎都是先发于内，后及于外。很难想象角色未放悲声，观众就已啜泣连连。默片偏偏无声！等于缺失了银幕上下互动机质中的重要一环……基于此，旧影回眸本片会更喜其“喜”：1一旦抱起就再也甩不掉的婴儿（自荣兼自贬）。2借邻铺的睡手摸出自己身上最后一文钱（苦中作乐）。3父子携手打弹弓修玻璃。只是破窗的人家招谁惹谁了？……发现没有，以上三款还有一个共同点：即使搁在有声时代，它们也几乎都是沉默无语的角色行为，也就意味着扬长（喜）避短（声）的功效发挥到了最大！
1921年电影才诞生不到30年，就已经有吊威亚的技术了呢。大师塑造的角色都是把闪避技能点满，真的太好玩了。而大师之所以为大师就在于他真的足够悲天悯人，且并不避讳展现一些小人物上的缺点，又通过自己的绝对魅力消解这些缺点带来的负面影响，反而演化成可爱的成分，最终体现出足够高度的人文主义关怀，且始终带着对资本主义社会的尖锐批判。梦境那段也算是神来之笔了，结尾给了圆满结局，只是按夏尔洛一贯倒霉悲催的运气来说，如果接着脑补下面的剧情，估计还是会很悲剧吧。最近公布的新生儿数量再次下降，当城市里的人为了培养下一代而努力挣扎，农村里的人则为拥有下一代而不断挣扎，我们作为人，请善待我们的后代。
修复版，不长却余韵悠长。喜欢这个令人安慰的happy ending，不像《城市之光》的结尾那么心酸，流浪汉夏洛在尝尽人间冷暖后终于迎来了难得的慰藉（与小宝贝团聚还有美人相迎）……话说把“弃婴”这个原本沉重的题材拍得有趣好玩又笑泪交织的，恐怕世间也只有卓别林一人可以做到了吧？最后对梦境的妙用也增强了艺术感染力。诚如开篇提示说的——好的喜剧真真是令人笑中带泪的。
这大概是我这辈子看的最古老的电影。这部电影完美的诠释了经典，就是百年之后仍有的共鸣。
【B】小男孩演技好棒！虽然我看到最后才看出原来这是个男孩…………
生活一贫如洗，乐在其中；父子情深动人，苦尽甘来。
A picture with a smlie-and perhaps,a tear，Chaplin为自己的电影作了最好的注解。他深知动荡不安的疾苦，于是用胶片为所有无家可归的人筑出一个梦。看他的片子很难不哭个底儿朝天，或者是因为滑稽幽默和他的一双大脚，或者是因为他总是漫不经心的就道出辛酸血泪。只有他才配得上悲剧之冠，喜剧之王。
第一部长片就这么完整、笑中带泪，卓别林才是真正的天才啊。前10分钟真是把我秒杀了。这种不用言语就能表达的快乐，现在真的是越来越少了
感人，真挚，细腻，而幽默则被放在了服务其他主旨的位置；同时，卓别林也使用了蒙太奇作为烘托气氛的工具：孩子被警察带走时，流浪汉的挣扎和孩子的哭泣是一段伟大的剪辑和表演；但开始背负十字架的基督叠影和最后遇仙的梦境显得和影片本身格格不入。
以巴掌落空與快動作營造喜感，悲喜穿插扇動觀眾情緒，夢境反映現實更顯奇趣——電影的語彙與經典編排，在九十多年前就已建立。
劝人向善、让人心生温暖和感动的电影！若拥有一颗有爱的心，就算生活贫困，也总会有惊奇的际遇伴随，快乐着直到圆满。
后来，卓别林不用开头耶稣背负十字架那样的象征镜头，也不用结尾那样嬉闹的梦了。
失去了亲人,却找到了天使.给社会下层人民梦幻般的力量,魔鬼的出现以及主角被警察带走等场景又给电影增加了一丝绝望的阴影。 喜融于悲，悲反衬喜;悲喜结合，恰到好处
说个扯淡的一点：卓别林在一百年前就知道煽情的度，决不泛滥。看他饰演的角色和儿子的互动，踹来踹去，小偷小摸，真正底层父子的状态，无比真实。就这么点儿简单的意思，现在反而不敢拍。
几个桥段，一个砸玻璃，一个修玻璃，嘿嘿，父子两演双簧维持生计，倒也是人间喜剧。1921，这片子快100年了。都是表达对底层小人物的同情、怜悯和尊重。卓别林是真正的人道主义大师，有种刻进骨子里的慈与爱。8.9
卓别林首部长故事片。招牌式的笑中带泪，以流浪汉收子寻子的过程折射贫富分化及人情冷漠的社会问题。与傻大个打架让人忆及[城市之光]拳击戏，只不过后者是利用裁判或紧抱等方式“智躲”，本片是眼疾手快的“明防”。天堂里也逃不脱魔鬼的骚扰与警察的追杀，这个高潮很有想法。撕斗中的碎羽毛（8.5/10）
卓别林早期的喜剧影片都具有极强的社会批判效应，从这个方面说卓别林不仅仅是一位喜剧大师更是一位现实主义大师。他影片中的流浪汉夏洛尔总是生活在生活的最底层，和上流社会永远格格不入，却总保持着一颗乐观善良，乐于助人的赤子之心，苦中作乐却从不怨天尤人，难怪年纪越大看卓别林的电影越有感触。
戏剧化的故事，却因动人的情感而显得如此真挚又真实：起初的无力饲养而想方设法不要孩子，却阴差阳错再度孩归捡主……蛮巧妙的设计；男孩长大，他破坏玻璃窗，而养父却若无其事地为人修玻璃窗赚钱……有意思的安排；当男孩差点被抢走时，养父奋不顾身地抢救……似曾看过？……经典佳作，满满的魅力！