芝加哥2002

电影《芝加哥》中，没有故事，没有新闻，只有炒作，只有若有若无的绯闻计划，只有充满着酸甜苦辣的人生百味，一部歌舞剧竟道出这般深刻的人生哲理，从这个层面上讲，《芝加哥》着实不失奥斯卡水准，当然，亦是一部难得的佳片。

依常理，但凡歌舞剧，其势必喧嚣，其舞蹈必曼妙，要么谈情，要么说爱，风花雪月，才子佳人，加入煽情的成分则华丽转身，变穷小子追逐富家女的千古绝恋，《红磨坊》即如此，但风月归风月，其情虽刻骨铭心，但其理却尽显苍白肤浅。

人间冷暖，人生悲欣，在《芝加哥》中得到了淋漓尽致的完美呈现，观其外，音乐优美，舞蹈华丽，美女帅哥，动人心魂，摄人心魄；品其内，则酸甜苦辣，人生百味尽显无余，细细品味，则觉其内涵越深，其外延越广。

一个是怀揣着明星梦想的美丽女子被情人所蒙骗，结果，一怒之下，开枪将其击毙；一个是歌舞巨星因无法忍受男友和妹妹的暧昧而开枪将两者击毙，两人都被送往医院，等待法院的裁决。

主角的人生就犹如一场过山车游戏，先喜，再悲，再喜，再悲，最后皆大欢喜。情节曲折，亦耐人寻味，她成功摆脱死刑的判决，和其懂得利用媒体和人们的同情心借机炒作密不可分，其在遭遇读者和媒体的冷漠后，不失时机的炒作自己，炒作大众话题，将其本人事件炒作的风生水起。

在芝加哥没有永远的明星，一切都是浮云，没有什么是恒久的，人们喜欢的只是那一个个的绯闻和炒作，这亦是当今这个媒介社会的真实写照，人生如戏，戏如人生。

影片向我们展示了处于上世纪大企业黄金年代的美国芝加哥，在那样一个表面经济繁荣的社会形态下，人民心态受经济影响而产生的畸变是多么的可怕与荒诞。导演通过影像的手法淋漓尽致地把歌舞升平的芝加哥中暗涌的名利暗流以及在这种涌动中人性和社会价值观念的异化呈现在观众的面前。
《Chicago》作为一部典型的歌舞片，以一定的剧情为主线，以音乐的叙事方法，通过绚烂的歌舞形式来烘托出主题。在歌舞片中，常常会通过配对的人物来实现“拯救”的主题，通过一系列对抗性的情节，最终实现双方的相互拯救（引自《电影阅读方法与实例》）。女主人公Roxie在影片开始时企图通过出卖自己的肉体来得到一个成名的机会，为了一个纯真的梦想而割舍了现实自己的纯真是多么的可笑与荒谬！人民的心态在那样一个浮华糜烂的社会风气之下变成如此颠覆传统的意识。好在，故事的最后Roxie和女二号Velma在经过了一系列的波折之后，最终通过自身的努力和合作赢得了掌声，而并非像最初的通过利用他人、捏造事实、依仗社会舆论等来得到注意。
当然我们也不难看出，这种特属于芝加哥的娱乐方式是被社会常态化的畸形的娱乐。人们只有通过鲜血、暴力、或是层出不穷的罪恶才能达到兴奋，才能满足对于新鲜事物的欲望。这是一种多么荒诞又让人无法理解的人性悲剧。就像片中那个匈牙利女囚的死亡一样是否是在告诉人们，代表高雅的芭蕾已经像她一样死亡和没落了呢？我们究其根源，虽然社会的经济形态起着决定作用，但社会舆论也需要在其中负很大的责任。
大众爱八卦，媒体爱话题，人要出名就要靠广播报纸的大肆报道，在这种恶性循环之外更是催生了一大批像Roxie这样的普通民众以及Billy这样需要靠传媒靠话题为生的律师。甚至到影片的最后媒体的操作已经影响到了司法公正，社会舆论的力量已经改变了人们生活的方方面面，在如此这般黑暗与丑陋的芝加哥，人们怎样维持住自身的纯真呢？
影片中充斥着大量宣扬女权主义的话语，但又很戏剧性地让Billy这样一个男性人物去拯救那些杀害男人的女人们。即便影片最后她们两个是靠自己的努力与合作赢得满堂彩，Roxie和Velma的成功也是不可否认地建立在Billy对她们最初的拯救之上。所以纵观整部影片，男女的地位始终处在一种相对公平的状态下，世界是男女搭配下才能平衡的。而社会经济体制下、社会舆论的控制下人们价值观念的改变着实是非常可怕的。
除了《Chicago》的主题层面之外，作为视觉元素的摄影手法也是相当值得一提的。
影片一开场就是主人公一双眼睛的特写镜头，并紧接着推镜头通过放大使之得到强化，形成巨大的视觉冲击力，牢牢地抓住了观众的注意力。马上镜头带领观众来到了一个人声鼎沸的酒吧中，通过快速高频率的镜头切换让观众大致地扫视了整个酒吧的环境与其中的人物。而这种快速无序的画面剪切与拼贴在整部影片中不断使用，通过大量的跳接给观众带来视觉接受上的断裂，造成观众审美接受上的间断性和跳跃性，从而加快了影片的节奏以及紧张感。
就整部影片中摄影机的状态来说，运动摄影毫无疑问的占了主导地位，尤其是像《Chicago》这类的歌舞片，多角度多机位多功能才能将歌舞的情绪色彩以及其视觉快感表现出来。其中女二号Velma出场时的跟镜头不仅交代了环境而且同时让观众与剧中人物产生同样的紧张感，跟随着其脚步参与到故事的发展中去。又如，阿莫斯出场时点缀用的移镜头，从记者拍家具商的尸体开始镜头不断移动，扫描了整个房间中的状况后镜头移到了阿莫斯，模拟了警长怀疑其口供的视点。还有在牢房探戈开始之前的一个典型俯拍镜头，画面突然只剩下Roxie以及一张圆桌和一把椅子，一种压迫感和宿命感随即产生，追光灯的使用更是加强了上帝视点的效果，预示着紧接着就将发生什么。
因而，相比较固定摄影，移动摄影更能够增加影片的节奏感，使观众的感受更贴近真实状态。
另一方面，就影片的构图来说，《Chicago》属于动态构图以及开放式的构图。由于歌舞片的基本要求在里面，构图的封闭会使画面缺少动感而失去影片所要营造的节奏，而且画框中的世界并不是孤立存在的，它时刻要与外界发生着关系。例如警长在审问阿莫斯以及Roxie产生心理活动的时候，画面中舞台上同时出现了他们两个人，而且明显Roxie所占屏幕的比例比阿莫斯多，这种构图加大了两人的疏离感，形象地表达出两人关系的恶化，同时将观众的注意力有效地引向了画面内容中去。另外Roxie在监狱厕所中偷听妈妈与Velma谈话的那段，导演通过狭小的一条缝模拟了Roxie的视域，将画面两边遮挡，形成偷窥的胆怯感，让观众同样产生身临其境的感觉，增加观众对主人公的认同感。
电影的构图不同于绘画摄影等静态的视觉艺术，它不仅是动态的视觉艺术也是表现电影完整意义的重要因素。因而研究电影的构图要从各个方面进行探索。
《Chicago》中的色彩绝对是分析影片时不能忽略的，其重要性是毋庸置疑的。整部影片都给人以高反差的视觉效果，首先是现实世界中偏冷的效果与心理活动中暖色效果的对比，其次还有舞台表演时不同人物的冷暖色效果对比都强烈地表现出一种讽刺的意味。在心理感受上，红色作为暖色传达出紧张感与积极感，例如Billy的出场舞蹈、牢房探戈、木偶舞等几乎所有的舞台表演都是运用的红色舞台灯光，营造出一种快节奏突出、向外扩张的态势。而在影片前段中Roxie与阿莫斯同时出现在舞台上的那段，Roxie微微泛橙色的红和阿莫斯的冷调深蓝色形成强烈的反差，一方面表现出阿莫斯郁结孤独感，另一方面也说明他们两人关系的进一步恶化。
而整体舞台色彩比现实中的鲜艳，更是讽刺地说明芝加哥是个声色犬马的世界，营造出荒诞嬉笑的电影氛围和一种强烈的讽刺效果。
最后，影片中的用光更是值得称道。光是电影拍摄中最为重要的因素之一，光运用的好，对于整部影片的艺术价值提升具有非常重要的作用。《Chicago》舞台上的追光灯等直射光的运用对于表现人物的轮廓与立体感起到重要作用，也增强了影片的戏剧性。影片中阿莫斯的歌舞和Roxie唱《funny honey》的那段，逆光的运用使人物的轮廓表现最佳，获得剪影的效果明显。其中唯独阿莫斯的歌舞用光使用的是单纯的暖色光，不像其他主角的歌舞表演用的是红色舞台光，这也从另一方面表现出整部影片中只有阿莫斯是诚实善良的，但这种品格在那个年代简直就是他的痛苦与不幸，这又是何其的讽刺和悲哀啊。
在光线的影调层次上，舞台光都是采用的高调光，用以表现其活跃与热闹也加强了空间的虚幻感。同样是舞台上，在Roxie最后试镜的地方就相比较更为低调，表现出一种暗淡与凝重。
而在光线的造型效果方面，本片集自然光效与戏剧光效于一身，但着重还是偏向于戏剧光效，这与影片的题材是密不可分的。在现实的世界中，自然光效能够充分的体现其逼真性与纪实性。而戏剧光效的大量运用更加突出了与现实之间的差异性和人为装饰性，使物质世界与精神世界形成强烈的反差，从而表达影片的主旨。
本片不仅在以上方面有着突出特点，其影片的视点也是涉及到好几种。像刚开始时Roxie的主观视点，到后来的预告性视点等让观众在观赏影片之时带有紧张感，更容易投身于角色中去，加强了影片的可看性。
综上所述，本片是一部集所有商业片要素于一身的商业片，同时又是一部具有现实批判性和艺术性的文艺片。影片不断利用歌舞片段来切换现实世界和人物心理活动，运用人物的重复出现和人物动作的一致性来表现剧情，突出了事件发生的重叠性和重复的主题。在穿插着歌舞、爵士与故事情节的展现中，将芝加哥社会金钱至上的丑陋面纷呈于前。

         这部独特的歌舞剧早在03年的时候我就欣赏过了，前不久又拿出来看了遍。爵士风味十足的原声音乐、紧凑流畅的剪辑、华丽的道具和舞台效果、演员出色的表演，都是影片的亮点。一向对Jazz不感兴趣的我第一次发现它的魅力。开场的《All That Jazz》成为被效仿最多的桥段，今年奥斯卡上还见了碧昂丝和休·杰克曼版的，而罗克茜躺在钢琴上姿态撩人的大唱《Funny Honey》也被侯佩岑用在金马颁奖礼上，最酷的就是那段监狱探戈《Cell Block Tango》！当一众女囚高唱：“He had it coming! He had it coming!”时，我一边心中OS：“男人都不是好东西！”，一边对这几个女人竖大拇指，够狠！我记得05年北京舞蹈学院的毕业演出中就有几个女生表演过这段，也很酷~

         在我的印象中，爵士乐=上世纪二十年代浮华享乐的市井万象。一战后的二十年代，因美国经济的一片欣欣向荣被美国史学家称为“新时代”，乐观主义情绪弥漫在整个社会中。繁荣的经济带来声色犬马、纸醉金迷的物质生活，同时也带来了信仰危机和道德缺失。金钱成了衡量一个人成功与否的标准，名利成了一个人身份和地位的象征。繁华掩盖下的是人们的精神空虚、道德堕落和两性关系混乱。当时黑帮横行的芝加哥是汇集了美国社会一切罪恶的渊薮。对生命的极端漠视、对名利的极度贪婪、追蝇逐臭唯恐天下不乱的新闻媒体、空虚无聊八卦好事的人群，善恶颠倒，黑白不分，世态炎凉。《芝加哥》就是将人性中最卑劣的心魔放大数倍，给我们展示出这样混乱的社会。在弥漫着靡费虚度，违反常理的放纵气氛中，欲望操控支配着人类。印象最深的就是罗克茜首次召开记者会的歌舞表演部分，所有人都是被操纵的提线木偶，被比利这个芝加哥黑暗的代表人物游刃有余的玩弄于鼓掌之间，而在那时的芝加哥，事实也的确如此。或者说，对于二十一世纪的现在来说，事实也是如此。笑贫不笑娼的无耻观点大行其道、爱慕虚荣只求出名、搏出位吸引眼球、为抢收视率和发行量无所不用其极的媒体小报、八卦市侩的狗仔文化……人类永远都在愚蠢的重复着过去……我们就是在这样的环境中生存。每当看到电影海报上的那句话：“如果不能出人头地，那就声名狼藉吧！”我就一阵恶寒==

当道德渐行渐远的时候，会不会有人警告我们。
影片给出否定的答案。

        罗克茜削尖了脑袋一心出名的梦想终于在牢狱中实现了，可悲的是她自己还非常享受这声名狼藉。为了保住媒体曝光率，甚至想出假扮怀孕的老套伎俩。她也曾经“ 拿乔”在比尔面前端架子，奚落维尔玛，但最后还是被比尔牵回去了。愚蠢的罗克茜并不明白这种成名就像当时的美国股市那样“虚假繁荣”。在新的“猎物”出现后，比尔和芝加哥媒体迅速的将她抛在了脑后，昙花一现的罗克茜上一秒还是全芝加哥的宠儿，下一刻就被遗忘了。

        至于她的丈夫阿莫斯·哈特应该算全剧里最正常的人了，某种程度上代表着当时缺失的人类道德。然而这个“道德”是多么的懦弱无能啊！罗克茜给他“戴绿帽”他还得替她自首；罗克茜让他给自己准备律师费他就乖乖的东拼西凑到处借钱；得知老婆怀孕的消息（假的）兴奋的去找罗克茜却碰了一鼻子灰；痴心的等待无罪释放的老婆回家的他得到的只是罗克茜不甘心追逐媒体的背影。最后，极度失望的他离开了。这仿佛也预示着道德的离去。

夸张是放大了现实焦点。五光十色的胶片带给我们的警示令人感到害怕。这部出色的讽刺剧确实值得品评。

以上。

《Chicago》这部电影就我的理解，是一部展现以女主角Roxie Hart和Velma Kelly为代表及其周围人物的在各自的欲望面前挣扎、矛盾，无所不用其极却不计后果不言后悔的心理电影。
无与伦比的视觉语言运用和画面色调处理，使这部电影当之无愧是一部光影巨作，优秀的、值得借鉴的、无可比拟的、令人惊异的画面、场景、情节实在是太多太多了，我无法也自知没有能力去一一详细读解。每个人的想法不尽相同，我便以己之劣见分析一下的对影片中部分印象深刻和及其喜爱的情节所属摄影总谱和光影语言表达的效果的个人理解。
     
影片开场，就以一连串快速叙事蒙太奇富于逻辑性和节奏地交待了故事发生的地点——芝加哥夜总会，也间接表明了这个地点对之后的剧情起着重要的作用。
主角之一Velma出场，摄影机开始后跟，将观众带入戏，模拟出一种主观视角的效果。同时，室内的戏剧光效营造舞台氛围，弥漫着花天酒地、醉生梦死的气氛。
另外一边，Roxie在夜总会内朦胧的柔光制造的幻想中，以一袭强烈的顶光照射和Velma角色互换，扭曲变形的效果使一个渴望成名、名利至上的女人形象跃入观众脑海。
如果Velma带来的是浮光转身的幻觉，那么Roxie上演的便是欲望躁动的现实。影片采用了平行序列，舞台上的过饱和色彩和灰蒙蒙的大街，暖与冷，梦幻与现实，没有过渡，都在上演欢愉。突兀和反差巨大的冷暖对比色彩也为这欢愉的短暂作了隐喻的暗示。
提及暗示，导演Rob Marshall在影片中可谓费尽心思，很多看似微小的细节都对往后的剧情起着重要作用，种种这些，都是暗示，值得深究。
  
    接下来便举例说明一下。我在这里大胆进行一下个人的揣测，从Roxie在楼梯上魅惑注视Fred的画面看，光将楼梯格纹投映到墙上，我是否可以以小见大地认为导演Rob Marshall在以一个上帝的视角为Roxie即将锒铛入狱作了一个预告性的暗示？如果真是我所想，那么导演的丰富想象力和对视听语言表现手法的高超掌握，已足够我所钦慕崇拜了。
此外，歌词和场景配合天衣无缝，歌词言语之间的暗示、舞台与床第间动作的衔接，如此自然和谐，个人以为导演在本片一开始便利用视听语言上的小小细节暗示两位女主角Roxie和Velma之间不可分割的紧密联系，为故事情节的发展埋下伏笔。

接下来要探讨的便是色调光影语言中的对比作用。
       
Roxie杀人后镜子中折射的室内的暖，和潜意识幻想中的冷，形成对比，快速剪辑给人以突兀感，展现人物心理的不安和灵魂深处隐藏着的罪恶。色调和光英在此处表达出的强烈且鲜明的对比作用。
而在警察明显怀疑Roxie丈夫的包庇和Roxie是杀人犯的场景中，直射光下的女主角显得无辜孱弱,拼命掩饰的罪恶感一览无遗。随着人物动作的设计,主人公头转向，形成侧光,偏暖色调的戏剧光效营造出一种臆想,人物服装的暖色调与舞台背景的暗调形成对比,又交叉现实中袒护自己的丈夫与警察的对峙，展现出一种温馨感,随着音符节奏的加快又释放出一种不安、不祥之感。打在女身上的暖色光与丈夫身上的冷色光又是鲜明的对比。两人互相指责的说辞便是夫妻反目、最后妻子锒铛入狱的铺垫。
锒铛入狱之时，一小段前跟镜头显得凌乱不和谐，从犬色声马的浮华被推入黑暗无垠的冰冷牢狱，外加空寂大街上营造出的大气透视效果，真实而又离奇地展现了现实的多变。
   
紧接着，影片中又一重要人物女狱长嬷嬷富有戏剧化的出场，有效地利用了影子这一元素，逆光且过曝光大气透视效果作为臆想世界的转场，加以现实的冷色调与臆想的暖色调对比，唯利是图的贪婪形象具化生动。舞台戏剧化的影子出场、现实与臆想前后交叉的同一动作连接，舞台追光效果和台下掌声无一不体现嬷嬷唯我独尊的妄自尊为，投影便是潜意识内心深处的欲望本性的象征。段歌舞结尾处的逆光戏剧光效又进一步塑造了贪婪中的些许邪恶。
最后便是对于对比蒙太奇在画面的表达、构成及剧情的呈现上的探讨。
                       
这个片断出现在Roxie 入狱后的第一夜。随着一连串流畅奔放的快速剪辑蒙太奇，舞台和现实一片离奇的混沌，女囚们上演了一出华丽反叛愤怒不羁的音乐舞台剧，导演在此处再一次运用了令人惊叹的视听语言手法，灯光的明灭象征着焦躁与矛盾,重现了女囚犯罪时刻的不可忍耐的暴力因子的叫嚣。
   
接着是女囚们分别出场进行“自我申诉”。第二个女囚出场的构图颇具玩味性，导演通过以一个男人的下半身为前景，女囚一出场便成为“胯下之臣”，影射性地交待了其情杀动机，最后一个动作的设计与之呼应，男人在她的身下“俯首称臣”，又是一种对本末倒置的大反差结局的预示，讽刺意味强烈。过程中灯光忽明忽暗，暗示且象征着情节的起伏。
   
最后一段群舞画面充斥着明暗光影色彩的反差对比，叫嚣着的红和落尾处的黑，是否可以浅显地理解为是一种颜色的心理暗示，女囚们在欲望中的挣扎与矛盾一览无遗。
    值得一提的是导演在影片中充分发挥了镜子的最大作用。在获得金牌律师X的帮助下名声大噪的Roxie的内心独白中，镜子将Roxie得意洋洋、名利野心和八面玲珑用画面呈现出来，我们完全可以从越来越多的镜子中折射出的越来越多的影子，看出Roxie内心的复杂和多变。而在影片开头对夜总会后台粗糙的呈现中，布景的特色就在于镜子所增加的空间感，构图上来说很新颖。
    鉴于个人比较钟爱Roxie丈夫的舞台片断，便做以下简要赏析。
     
    Roxie的丈夫在与律师交涉时第一次正式有了内心世界的独白，现实与臆想形成交叉蒙太奇，在臆想的舞台上，背景以暗调为主，且自始至终都有低光光效所致的一个巨大的影子在他身后相随，如果说嬷嬷的影子是贪婪本性内心欲望的象征，是人格的另一半存在，那么X的便是被他的影子淡化了存在感，让人印象深刻，默默无闻，受尽类似X律师甚至妻子X的忽视。同时又被影子吞噬，在深爱的妻子为名利的极端欺骗前迷失了自我，乃至成为了骗局中的一个参与者。最后的逆光剪影效果更是加深了黑暗的吞噬感，他俨然已经成为了妻子Roxie名利道路上的一枚棋子。
   有一类电影，它们堪称典范，只能模仿，无法超越。可《Chicago》的完美让所有的模仿只是种空白。 或许《Chicago》让人百看不厌是不仅因为它歌舞升平、浮光溢彩。而是它流离张弛、惊艳风情的电影摄影视听种种语言，让人在大呼过瘾的同时感受到人物在浮光转身之后的，那摆脱不掉的欲望躁动。


                          2009.3.5.影评课期末考试作业
                   

       同最近30年的绝大部分歌舞片一样，《芝加哥》也从音乐剧改编而来。
    近年来的歌舞片大多乏善可陈，前两年大热的《悲惨世界》虽然用了现场录音这个“革新”技术，但总体来说还是没有脱离“只是简单地把舞台搬到街上”的魔咒，《吉屋出租》、《发胶》（2007版）和由《芝加哥》导演罗伯•马歇尔执导的《魔法黑森林》等歌舞片几乎都如此。对于很少释放舞台录像的音乐剧来说，它的电影版本成为观众们（音乐剧迷们）一睹该剧风采的途径，这些影片的制作都不差，由于出身于成功的音乐剧，这些影片都在尽职尽责地保留原剧的味道，在影像呈现上却有些束手束脚，以至于这些歌舞片大多成了中庸之作。
    歌舞片的式微很大程度在于新世代观众不再能接受生活中演着演着就唱的行为，这种歌舞升平的欢乐实在是太50年代了。《芝加哥》的突出之处，在于强化了“电影”二字在音乐剧改编电影中的作用。《芝加哥》的故事本就与舞台相关，作为电影的《芝加哥》把几乎所有的歌舞片段都处理成了梦想成为歌舞明星的女一号Roxie的想象。剪辑是它把电影作为第一要义的重要元素。影像的拼贴不仅让现实（普通对白）和想象（歌舞）交替出现，二者之间场景和装束等的不同又可以拉大现实和想象之间的距离；这种通过剪贴而得到的不同时空的同时（其实是交替）出现，也是影像和剪辑最原始的魅力。也可以说这样双线并行的方式是一种现代的结构，虽然结构已经被其他非歌舞类型的电影玩残了，但这在黄金时代歌舞片和当代音乐剧改编电影中都难以看到。
    《When You Good To Mama》就很好地印证了此作用。监狱中的凶悍管理员，和女主想象中的剧场中如老鸨一般的“胸”悍表演者，是同一个人，不同的装束，不同的妆容，同一个演员，同样的气质。对白是实，角色都穿着灰色囚服，监狱的苍凉也由此体现；歌舞是想象，于是金灿灿的礼服，谄媚的笑容庞大而性感的身躯，既描述了Mama的贪婪世故的性格，又描绘了Roxie对舞台生活的美好想象，同时纸醉金迷的舞台又展示了那个年代的堕落，一举三得。要知道，这段在舞台上，就是Mama的干唱。
    《We Both Reach For The Gun》一段中，琐碎的剪辑减轻了舞蹈的难度，但正因为剪辑，Roxie和记者们才得以化上木偶妆，Billy才能同时存在于舞台中操纵女主和舞台上方操纵媒体。这就把原剧里的操纵关系交代得相当清楚了。
    随后的《Roxie》一曲用了舞台中难以用到的镜子（这里有本片最明显的穿帮镜头）。这段似乎致敬（或者抄袭？）了《上海小姐》中奥逊•威尔斯和丽塔•海华在游乐场的经典场景。千面镜子，千个角色，都是外表甜美内心毒辣的恶妇人。
    演员的表现也是相当抢眼，凯瑟琳泽塔琼斯饰演的Velma 一出场已经俘虏观众的心。黑色波波头的造型也深入人心，还凭此角色拿下奥斯卡女配。
    蕾妮齐薇格是更绝的，刚从《BJ单身日记》片场出来，就演了个性感美女的角色，从胖妞到白骨精的过程让人羡慕不已。蕾妮齐薇格的相貌并不出众，减肥过度导致的骨感身躯也不能说性感，但是性感被齐薇格硬生生地演出来，也是相当难得。蕾妮的声音沙哑纤细，放在剧场完全不适合，但放在电影中，却显得娇嗔，又有烟酒的世故味儿。
    配角的实力和表现力都很强，比如比女主角女二号还小一岁的Queen Latifah，气场hold住了一切。就连打了个酱油的刘玉玲也让人印象深刻。相比之下，男主角的好在周围一群极好的包围下，显得弱了。
    《芝加哥》原剧角逐过托尼奖，96年复排版夺过托尼奖最佳复排音乐剧，扫走了很多技术奖。主创鲍勃•福斯是个全才，绝等一流的编舞大师，拿过奥斯卡（《歌厅》)和金棕榈（《爵士春秋》）的电影导演。原剧的高配置，为改编成为歌舞片打下好基础。
    《芝加哥》的水平跟当黄金时代的顶级歌舞片相比还是弱很多，还有很多不完善的地方，现实和歌舞两条线的相切也相对生硬，但跟近30年的歌舞片（平凡，平庸，甚至烂）来比，已经相当不错了。